美术论文格式模板范文 第1篇
美术专业具有技能性较强的专业学科特点，强调日积月累的实践创作与艺术感悟，科研成果的形式大多是作品而非论文及著作，如绘画或雕塑作品参展获奖，企业形象设计或标志设计作品被采用等。各省市按照现行的科研管理条例对高校进行综合评价时，往往没有考虑到美术类学科的专业特性，经常以文章发表及专著的数量进行衡量，以至于在美术高校填写的上报表中，许多很重要的专业成果找不到相应的填写位置，因此很难获得更多的经费支持及成果奖励。更重要的是，由于各高校的日常科研管理条例及成果统计形式都是针对上级主管部门的要求制定的，因此，这些评价和激励机制不完善直接影响到了教师的职称评定及对优秀成果的奖励。
2.学科建设及管理模式的滞后性
目前，美术院校科研管理观念相对落后，管理模式僵化。美术院校传统的学科建设组织形式以设立二级学院及直属系为主体，按专业特点进行划分：造型学院、设计学院、媒体学院、实验艺术学院、国画系、史论系等。科学研究层级结构以校、院、系、研究所、教学研究室、课题研究组等形式进行设立，课题间及学科专业间的联系相对闭塞，缺乏长期有效的合作和沟通，阻碍了项目研究及学科专业的交叉与融合。近20年，国外新兴的视觉文化研究领域对以视觉为核心的各学科综合性研究非常重视，取得了显著的研究成果。相对而言，国内一些传统学科的组织形式制约了人才的流动，已经不能适应科学研究多样性与灵活性的需求，如何科学有效的利用软件和硬件的科研资源及人才队伍，是提高美术院校科研水平的重要环节。近些年，伴随高校绩效考核制度的深化及各校间科研成果的竞争，美术院校科研管理模式的弊端日益凸显。许多美术院校普遍存在重艺术创作而轻学术研究，重设计实践而轻理论总结，重教学工作而轻专业研究的问题，这些现象不断地积增，违背了大学教育发展的规律，迫切需要建立切实有效的科研管理创新模式。
3.科研管理人员的素质良莠不齐
4.美术专业科研成果的转化率低
美术专业科研成果的推广与转化工作一直是各大院校科研管理中的薄弱环节，美术院校师生创作的艺术成果丰硕，但成果转化与推广程度不容乐观，这一现象与美术院校科研管理体系建设的不足有密切的关系，现行的科研成果量化与奖励制度只重视项目数量，专利总数、、刊物级别等，没有协助教师建立成果转化相应的渠道及搭建校企合作的平台。同时，大部分教师缺乏成果转化的意识，大多数艺术家只埋头进行专业创作，忽略了艺术成果和市场经济的对接。因此，许多艺术成果仅仅停留在学术研究、职称评定、论文撰写等层面，没有积极地进行推广，使成果转化为生产力，致使科研成果严重浪费。
5.科研经费管理中的弊端
美术院校科研项目负责人大多以副高级职称及以上的教师为主，青年教师和研究生只能是项目参与人，以这种金字塔结构为主体的固有模式进行配置，致使项目研究人员的组成缺乏多样性与灵活性。然而，科研项目的创造性劳动，绝大多数是由这些年轻人承担，他们长期大负荷的工作，却无法成为项目的主要承担人，这种过于严格的项目申请资格的规定，虽然符合国家的项目管理要求，但在实际应用中，却间接抹杀了青年教师及学生的创造热情，无法直接地激励他们的创新思维，阻碍了艺术创新成果的产生。近年来，国家对科研项目的资金支持逐年增长，而对于承担人员资格的过度限制，使得大量的科研经费集中于少数人的手中，科研成果的数量和质量不能得到有效的监控和保证，出现了同一成果多头结项的现象，严重影响了科研经费的良性运转。
二、提升美术院校科研管理水平的策略与途径
1.科研资金组织与资金管理优化
美术院校的科研资金组织与资金管理需要根据学科特点进行优化，参考国外诸多大学的管理模式，对我们的管理创新颇有启发。比如，我国科研项目的管理经费的报销环节，人工费用还需通过其他途径进行支付，这凸显出管理制度中相关条款的不合理现象。国外大学从申请项目时，就已经严格进行了预算明细审核，项目研究过程中的经费使用严格按照预算来执行，报账的管理体系与预算的管理体系完全分开。项目经费以直接费用和间接费用两部分进行划分，间接费用的比例可占到实际费用的一半以上，项目研究中的材料费及研究人员的福利都很多。同时，项目研究中对学校内设施的使用也要收取费用。这种资金组织及管理的透明化是需要我们借鉴的。
2.人才培养与科学研究紧密结合
科学研究与人才培养同时进行，已成为国外高校科研管理中的成功案例。在美国，人才培养与一些项目研究相联系，导师招收博士生的数量与项目直接相关，博士根据导师的项目经费及研究需要来做助研工作。导师可招收博士生和博士后的数量很大，在国外一流的大学里，学术研究的辅助队伍是相当庞大的。这种管理模式为我国美术院校的科研建设提供了诸多启示。回望美术创作的发展早期，可以追溯到师傅带学徒的作坊，在规模庞大及有名望的作坊里，一位师傅拥有众多的学徒，完成大的艺术定件。这种传统的艺术创作模式与国外的科研体系有很多类似之处。首先，它可以降低进入研究领域的门槛。其次，它可以在创作与研究中培养学生。最后，它可以为国家节省大量的学费资助及科研人员工作费用。需要严格把关的是相应制度的建立，当学生参与学校的研究项目时，对该生的各种成果及学术能力的综合评定，必须有相应的顾问来监督，并设立学科组对该学生进行评分和最终的资格考核。
3.发展战略组织与科研理念优化
西方发达国家中许多大学科研管理制度的建设比较完善。美国所有大学几乎都有科研管理手册，手册中对不同专业的科研管理都有详细的规定，而且各大学的管理制度如出一辙，普遍性原则对所有研究人员及机构都是适用的。统一的标准，营造了公平的学术环境。因此，我国高校美术专业科研管理也应根据学科的特殊性，设立行之有效的统一管理模式，美术类院校与其他高校科研管理的不同之处，主要在于众多复杂多变的艺术成果形式的评价与鉴定，全国美术类高校的科研工作基本相同，统一的艺术科研管理体系在全国院校都是可以使用的，具有共通性。因此，全国统一的美术科研管理体系有待建立，这既是提高管理效率及各院校横向比较的迫切需要，又是全国学术水平认定规范化的必然举措。
4.营造良好的管理文化环境
国内美术院校科研管理的文化有很多弊端，整个管理模式都是行政体制下的管理，缺乏学术研究的管理文化。许多高校把科研管理制度简单理解为项目管理、工作室制度、科研经费管理等，这是非常片面的，高校的科研管理制度不只是用于规范教师与科研人员的日常工作，更应自然成为每位教师心中的管理符号，形成普遍的约束力与认同感，同时对所有教师的行为与意识产生潜在影响。因此，以人为中心的人本管理，是高校科研管理的核心及发展方向。所谓人本管理，就是指在高校科研管理的所有活动中，首先应把教师放在最重要的位置，以服务教师学术研究的全面健康发展为宗旨，充分调动教师和管理者的积极性与创造力，从而使高校的学术成果获得效益的最大化。
5.美术专业科研管理信息系统的研发
美术论文格式模板范文 第2篇
人的视觉认识是从自然主义开始的，尽管一个立体的自然场景不像是一幅图画，而一幅平面的图画都被看作是一个真实的世界，公众要求艺术家在一块想象的舞台上把生活的故事表现得栩栩如生。教师经常听到学生说：“我看懂了这幅画”，或是“我看不懂这幅画”，他们也许是仅限于理解了画的表面画了些什么内容，而不会欣赏画面内在的表现手法和含义。在这种认识方法中，丝毫没有审美气息。艺术是以感知为基础的，人们认识美、发现美、鉴别美、创造美都离不开感觉，这种感觉决不是依靠某些逻辑推理或者数字计算，比如对画面物体和人物的比例关系的把握就是如此，比例本来是数字形态的东西，我们可以依据数理逻辑变换出多种方案，但是，只有使数字形态视觉化以后，才能靠感觉来比较、推敲、判断出美与不美。而对艺术的感受力的加强，就会迅速找到它的美的所在，再从色彩上来分析，色彩的构成要素十分复杂，色彩的生理效应更为微妙，色彩美感的个性特征更强，尽管有着十分详尽的色彩理论，有着各种色表，色立体和各种配色宝典的工具手册，也只能对色彩的学习与使用起一定的指导作用，最后如不能落实到视觉感觉上来，总是不行的。正如音乐家对乐感的感受、舞蹈家对肢体语言的感受、书法家对笔墨挥毫的感受一样，他们无一不是凭借着一种强烈的艺术感觉来实现着艺术的升华。
具体到普通高校的美术欣赏课，教师要通过审美教育来丰富与开阔学生的审美天地，让学生感受到全面与完善的艺术教育，对于非艺术专业的学生来说，并不要求他们了解太多的绘画技能，通过美术欣赏课的教学使其学会一些美术常识及学会如何欣赏。如通过中国美术史论的欣赏，懂得各门类画种的美感特征与技法特点，懂得其透视上的高远、平远、深远和散点的运用，用墨上的浓、淡、干、湿、焦所产生的艺术魅力和创境达意的艺术手法。美术作品及美术现象的种类繁多，比如从种类上分：油画、中国画、水彩水粉画、版画、雕塑、建筑、民间美术、现代美术等；从时间上分，外国美术有：原始与古希腊、古罗马美术……欧洲文艺复兴时期的美术……18、19世纪欧洲美术直至现代抽象艺术等，中国美术有：新旧石器时代的美术、商代青铜器、秦汉石雕、魏晋壁画以及唐以后的绘画；从作品的内容上分：人物、风景、静物、风俗画、宗教画、装饰画等；从艺术流派上分：西方古典主义、浪漫主义、现实主义……以及后面的印象派、野兽派和立体主义、超越现实主义等；中国画中顾恺之的《传神阿睹》，吴道子的《吴带当风》，范宽、郭熙的《高山仰止》……这些美术欣赏的内容，可自成体系，但也有局限，教师要将这些内容有机地联系起来，寻找切入口，达到最佳效果。
英国的艺术家和批评家艾瑞克·牛顿曾十分形象地将艺术品比作一层层剥开的洋葱，表皮是“再现层”，表皮之下一层为“诠释层”，再往里一层称为“审美层”，也就是讲，看一幅画，首先我们看到的是画面表现的内容：人物、场景或是一些抽象的符号。其次，再看一看画家是用何种方法来表现，如构图、线条、色彩、笔触以及总体的表现符号等等。最后，综合以上两点，想一想作品给你一种何样的意境，强烈程度如何，是否领悟到了一种以语言、文字所不能表达的体验，如果有了，那应该是基本上看懂了。
我们再以_的现代作品《格尔尼卡》来欣赏，画面中的各种奇怪造型令初见者费解，然而那种具有张力的感觉是每个人都感受得到的。接下来，如果我们了解了牛头是残暴与黑暗的象征，马是民众的象征，孩子的哭号挣扎的形象以及立体主义的基本造型方法与法则，那我们就会知道_在画中表现了人民受到各种苦难而造成的暴烈恐怖的气氛，画家用犀利的笔触表达了他对_的仇恨与宣泄，而立体主义就是他观察、表达事物的一种表现方法。
美术是一门与千家万户息息相关的艺术，非艺术专业的美术欣赏教学又是人生感知美术审美教育和美术技能教育的重要阶段。让美术从美术家的小天地中解放出来，“飞入寻常百姓家”，让大学的美育教学工作立足于审美能力的培养，激发学生广泛地参与审美活动，从被动地接受美育变为主动地需要美育。逐步形成健康的审美观念，使学生在审美活动中实现自身精神意识的升华，对造就一代人的高尚情操和社会风气也是大有益处的。
参考文献：
美术论文格式模板范文 第3篇
一、“文房四宝”之笔在林林总总的笔类制品中,毛笔可算是中国独有的品类了。传统的毛笔不但是古人必备的文房用具,而且在表达中华书法、绘画的特殊韵味上具有与众不同的魅力。不过由于毛笔易损,不好保存,故留传至今的古笔实属凤毛麟角。毛笔的制造历史非常久远,早在战国时,毛笔的使用已相当地发达。中国的书法和绘画,都是与毛笔的使用分不开的。古笔的品种较多,从笔毫的原料上来分,就曾有兔毛、白羊毛、青羊毛、黄羊毛、羊须、马毛、鹿毛、麝毛、獾毛、狸毛、貂鼠毛、鼠须、鼠尾、虎毛、狼尾、狐毛、獭毛、猩猩毛、鹅毛、鸭毛、鸡毛、雉毛、_、胎发、人须、茅草等。从性能上分,则有硬毫、软毫、兼毫。从笔管的质地来分,又有水竹、鸡毛竹、斑竹、棕竹、紫檀木、鸡翅木、檀香木、楠木、花梨木、况香木、雕漆、绿沉漆、螺细、象牙、犀角、牛角、麟角、玳瑁、玉、水晶、琉璃、金、银、瓷等,不少属珍贵的材料。从笔的用途来分,有山水笔、花卉笔、叶筋笔、人物笔、衣纹笔、设骨笔、彩色笔等。
最早的毛笔,大约可追溯到二千多年之前。西周以上虽然迄今尚未见有毛笔的实物,但从史前的彩陶花纹、商代的甲骨文等上可觅到些许用笔的迹象。东周的竹木简、缣帛上已广泛使用毛笔来书写。湖北省随州市擂鼓墩曾侯乙墓发现了春秋时期的毛笔,是目前发现最早的笔。其后,湖南省长沙市左家公山出土的战国笔,湖北省云梦县睡虎地、甘肃省天水市放马滩出土的秦笔,长沙马王堆、湖北省江陵县凤凰山及甘肃省武威市、敦煌市悬泉置和马圈湾,内蒙古自治区古居延地区的汉笔,武威的西晋笔等,都是上古时代遗存的不可多得的宝贵资料。
现在常见的品种有“石獾”、“狼毫”、“兰竹”、“叶筋”、“红毛”、“羽箭”等,其笔型大小不一。软毫笔,一般是用羊亳加工制成,特点是柔软、含水量大。大小型号,品种也很多,大型的如“提斗”、“抓笔”等,中小型的如“鹤劲”、“鹤脚”等等。兼毫笔'是用硬毫与软毫相间制成的,刚柔适中。我们现在常见的如“紫毫”、大中小“白云”
等。笔分长、短、大、小,运用起来能产生不同的效果,如画大幅的画用大笔,画小幅的画用小笔。这些都是一般的规律,但又不能拘泥,如有的画者爱用羊毫,有的爱用狼毫,也有的爱用大笔作小画,认为这样能收到意酣墨饱的效果。
一、“文房四宝”之墨墨给人的印象似稍嫌单一,但却是古代书写中必不可缺的用品。借助于这种独创的材料,中国书画奇幻美妙的艺术意境才能得以实现。墨的世界并不乏味,而是内涵丰富。作为一种消耗品,墨能完好如初地呈现于今者,当十分珍贵。
在人工制墨发明之前,一般利用天然墨或半天然墨来作为书写材料。墨的发明大约要晚于笔。史前的彩陶纹饰、商周的甲骨文、竹木简牍、缣帛书画等到处留下了原始用墨的遗痕。文献记载,古代的墨刑(黥面)、墨绳(木工所用)、墨龟(占卜)也均曾用墨。经过这段漫长的历程,至汉代,终于开始出现了人工墨品。这种墨原料取自松烟,最初是用手捏合而成,后来用模制,墨质坚实。据东汉应劭<汉官仪》
记载:“尚书令、仆、丞、郎,月赐愉麋大墨一枚,愉麋小墨一枚。”愉麋在今陕西省干阳县,靠近终南山,其山右松甚多,用来烧制成墨的烟料,极为有名。
从制成烟料到最后完成出品,其中还要经过入胶、和剂、蒸杵等多道工序,并有一个模压成形的过程。墨模的雕刻就是一项重要的工序,也是一个艺术性的创造过程。墨之造型大致有方、长方、圆、椭圆、不规则形等。墨模一般是由正、背、上、下、左、右六块组成,圆形或偶像形墨模则只需四板或二板合成。内置墨剂,合紧锤砸成品。款识大多刻于侧面,以便于重复使用墨模时容易更换。墨的外表形式多样,可分本色墨、漆衣墨、漱金墨、漆边墨。
中国画的用墨也是很讲究的。墨分“油烟”和“松烟”两种,油烟墨用桐油或添烧烟加工制成;松烟墨用松枝烧烟加工制成。油烟墨的特点是色泽黑亮,有光泽;松墨的特点是色乌,无光泽。中国画一般多用油烟,只有着色的画偶然用松烟。但存表现某些无光泽物如墨蝴蝶、黑丝绒等,也最好用松烟。中国画的墨,一般是加工制成的墨锭,我们在选择墨锭时,就要看它的墨色。看墨泛出青紫光的最好,黑色的次之,泛出红黄光或有白色的为最劣。磨墨的方法是要用清水,用力平均,慢慢地磨研,磨到墨汁浓稠为止。用墨要新鲜现磨,磨好了而时间放得太久的墨称为宿墨,宿墨一般是不可用的。但也有画家喜用宿墨作画,那只是个别的。
我们现在有多种书画用墨汁,如“中华墨汁”、“一得阁”、“曹素功”等,可以代墨使用。一般来说,画工笔,最好用研磨的墨;写意画,因用墨量大,可用书画墨汁。
说到中国画的用墨,还需说说中国画的用色。“文房四宝”中的墨,就应该包含有色的意思,因为色也是中国画的不可缺少的材料之一。色在绘画上我们又把它称为颜料,中国画的颜料与西洋画的颜料是不同的。西洋画的颜料都是化学品。
中国画的颜料有两种性质,使用起来会产生不同的效果,其一种是植物质的,如花青、滕黄、胭脂、牡丹红等,性能是透明、质细,但年久会褪色;另一种是矿物质的,如朱砂、朱漂、头青至三青、头绿至三绿、赭石、石黄、白粉等,性能是不透明,有覆盖力,年久不褪色。中国画的颜料比西洋画的颜料种类简单,但给人的感觉却不同,它们使中国画的色彩具有了自己独立的风格。今天,中国画家们为了更丰富地表现生活,也兼用了一些西洋画的水彩、水粉颜料,但这只可适当地搭配,一定要保持中国画的色彩特点;如果西洋画的颜料用过了头,就不像中国画了。
三、“文房四宝”之纸纸是中国古代四大发明之一,曾经为历史上的文化传播立下了卓着功勋。即使在机制纸盛行的今天,某些传统的手工纸依然体现着它不可替代的作用,焕发着独特的光彩。古纸在留传下来的古书画中尚能一窥其貌。
纸张发明之前的很长一段时间内,人们是采用什么来作为记事材料的呢?根据文献和实物资料,最早的人们是采用结绳来记事的,遇事打个结,事毕解去。后来又在龟甲兽骨上刻辞,所谓“甲骨文”。在青铜产生以后,又在青铜器上铸刻铭义,即“金文”或“钟鼎文”。再后,将字写在用竹、木削成的片上,称“竹木简”,如较宽厚的竹木片则叫“牍”。同时,有的也写于丝织制品的缣帛上。先秦以前,除以上记事材料外,还发现了刻于石头上的文字,比如着名的“石鼓文”。
一般人都知道,纸是在东汉由蔡伦发明的。但近年的考古发掘,却对此提出了疑问。随着西北丝绸之路沿线考古工作的进展,许多西汉遗址和墓葬被发现,其中也不乏纸的遗物。这些古纸均据其出土的地点而被冠名。
从目前出土古纸自身的年代顺序,可以分别排列为:西汉早期的放马滩纸,西汉中期的灞桥纸、悬泉纸、马圈湾纸、居延纸,西汉晚期的旱滩坡纸。这些纸不但都早于蔡伦纸,而且有些纸上还有墨迹字体,说明已用于文书的书写。
中国古时候绘画多画干帛和绢上,其实帛也是一种绢类织物。画画用的绢是特制的,现在有一些工笔画家还喜欢用绢作画。大约到了宋元时代,人们才开始大量用纸作画。绢和纸各有特点,纸是植物制品,绢是丝织品,笔墨画在纸上,容易表现出笔墨和色彩的变化。画在绢上,其画的光洁度就更强一些。我们现在主要是用纸作画,一般是宣纸。宣纸分生宣和熟宣两种。熟宣是用矾水加工过的,水墨不容易渗透,在上面可以工整细致地描绘,反复地上色,因此像绢织物一样,适合于画工笔画。现在常用的熟宣有“冰雪宣”、“蝉衣笺”、“云母宣”等。生宣是没有经过矾水加工的,水墨容易渗透,落笔为定,无从更改,而且渗透开来,能产生丰富的笔墨变化,所以写意画多用生宣。常见的品种有“净皮”、“棉料”、“棉连”等。
除宣纸外,有的画家还喜欢用皮纸作画,皮纸又称高丽纸,它的性能与宣纸相似,但价格却便宜得多。所以,初学画的人也常用这种纸。
四、“文房四宝”之砚砚,是磨墨用的。要求细腻滋润,容易发墨,并且墨汁细匀无渣。砚也有石砚、陶砚、砖砚、玉砚等种类之分,最负盛名的是广东产的“端砚”和安徽产的“歙砚”。
不过,作画用砚,也不一定那么讲究,一般选择那种石质好、砚池深、稍大有盖的,研磨时发墨快、水分不易挥发的就可以了。
在古代的文房书斋中,除笔、墨、纸、砚这四种主要文具外,还有一些与之配套的其他器具,它们也是组成文具家族中必不可少的一员。明代屠隆在《文具雅编》
中记述了四十多种文房用品,通常较为常见的有:
笔掭:又称笔砚,用于验墨浓淡或理顺笔毫,常制成片状树叶形。
臂搁:又称秘阁、搁臂、腕枕,写字时为防墨沾污手,垫于臂下的用具。呈拱形,以竹制品为多。
诗筒:日常吟咏唱和书于诗笺后,可供插放的用具。多以竹制,取清雅之意。
笔架:又称笔格、笔搁,供架笔所用。往往作山峰形,凹处可置笔。也有人物和动物形的,或天然老树根枝尤妙。
笔筒:笔不用时插放其内。材质较多,瓷、玉、竹、木、漆均见制作。或圆或方,也有呈植物形或他形的。
笔洗:笔使用后以之濯洗余墨。多为钵盂形,也作花叶形或他形。
墨床:墨研磨中稍事停歇,因磨墨处湿润,以供临时搁墨之用。
墨匣:用于贮藏墨锭。多为漆匣,以远湿防潮。漆面上常作描金花纹,或用螺细镶嵌。
镇纸:又称书镇,作压纸或压书之用,以保持纸、书面的平整。常作各种动物形。
水注:注水于砚面供研磨,多作圆壶、方壶,有嘴,也常作辟邪、蟾蜍、天鸡等动物形。
美术论文格式模板范文 第4篇
2如何提高平面设计的教学效果
（1）创新课内实践环节
在平面设计课程当中，最常用的实践设计就是一个logo的设计，这种作为标志的设计能够让每个学生发挥他的想象力，根据自己对事物的理解，内容的理解创造出自己认为可以表达出该企业或该学校的一种文化，这个过程很难抄袭、很难借鉴最大限度的开发了学生的想象力和创造力，只能通过学生查阅各种材料，加深学生对设计对象的深层理解，同时涉猎很多艺术知识，还要站在观赏者的角度上去看艺术作品，是一个极其综合的艺术表现，此外对于不同的作品也会使他们对其他艺术作品有一定的分析，以后也能加强自己的分析。
（2）创新校外实践环节
对于这种设计课的实践环节，学校应尽可能的让学生打开眼界、放开思路、驰骋想象、敢于标新立异的思考去进行学习，可以带学生们去设计公司参观，具体观察一个设计成品的制作流程，增加感性认识，提高学生的设计兴趣，让他们知道他们以后工作的特点和需要，能够将学生独特和创新的思维与实践结合起来，让学生知道自己能做什么、爱做什么，该做什么，然后为之去努力，去奋斗，同时也让学生正视平面设计的难度，踏下心来一笔一笔的进行设计，一点一点地积累设计体会和经验。
（3）树立现代设计观念
理念决定一切，一个学校的教学理念是一个学校的灵魂，什么样的理念教学，就会产生什么样的学生，就会产生什么样的作品。因此理念是一个根本性的东西、最重要的一个东西。_设计_，英文表达方法叫做_design_，它包含了设计、图案、构思、纲要的概念，而中文_设计_的概念则是根据所达到的目的预先将图样和方法展现出来的一种手段。教师应积极的引导学生做一名成功的设计师具有的素质即：一个设计成功的设计师应该具有艺术家的情操、诗人的想象力、商人的经济头脑、科学家的智慧、促销员的坚持、工人的实干精神，既然选择了美术设计专业，从大一开始就该树立强烈的意识就是自己是一名设计师，必须以现代的设计理念来武装自己，时刻记住设计的概念，统观自己所有的需要修的课程，明确课程目的，设计学习方法，解决实际问题。教师也要根据这些方面去教学生与学生互动。
（4）学生的个性培养
设计是来自于设计人员的创造性思维。独特化、时尚化、艺术化、创新化是对设计师的要求，在平面设计教学中对理论性知识传授之后，就要倡导学生们的个性化创意、倡导与众不同的思维，挖掘每个学生的特色，使每个作品都带有鲜明的特点，尊重学生每个认真创作的作品，以鼓励的方式激励每个学生异想天开的作品，这样才有培养出不拘一格的学生、想象力丰富的学生、个性化的学生、创造性思维的学生，才能真正成为设计家，才能容易被社会接纳。
美术论文格式模板范文 第5篇
1.审美教育有利于提高学生的文化修养
在中职美术教学中对学生进行艺术熏陶，这样不仅能帮助学生认识世界，而且可以培养学生的审美能力和艺术修养，让学生在接受审美教育的过程中感受美、欣赏美、从而去创造美。生活中并不缺少美，而是缺少发现，美好的事物只有被发现才能体现出它的价值。学生发现美、欣赏美的能力并不是与生俱来的，而是从后天的审美教育中通过不断学习不断积累而养成的良好习惯。美术教学中的审美教育是培养学生审美能力的一个重要途径，让学生通过美术课堂去学会发现美、欣赏美，提高学生的审美能力和文化修养。
2.审美教育有利于帮助学生形成良好的品质
中职美术教学中的审美教育，不仅能够帮助学生提高审美能力，还可以提高分辨好坏、黑白的能力，帮助学生在成长过程中形成良好的世界观、人生观、价值观，形成良好的道德品质。通过接受审美教育，可以帮助学生树立正确的社会观念，坚决摒弃丑恶的事物，宣扬美好的事物，提高自我保护意识和对事物的分辨能力。
二、美术教学中审美教育的方法
1.引导学生发现美
生活中的任何事物都有自己独特的美，生活中并不缺少美而是缺少发现。高山具有自然之美，楼阁具有建筑之美，鸟儿具有动态之美，园林具有造型之美。审美教育就是要引导学生观察生活中的事物，使学生具有一定的观察能力和审美能力，例如一副古画描绘了高山流水的自然景观，画中远处的大雁使的画更加生动具有灵性美；校园里的教学楼与湖边的凉亭可以形成鲜明对比，教学楼的色调较为单一严肃而凉亭则比较鲜艳，他们都与周围的环境融为一体，体现了融合之美；翡翠拥有质感之美；雕塑拥有形体之美……生活中任何事物都可以让学生感受到美的存在，通过认真地观察生活，留心生活，能够激发他们对生活的热情。在美术课堂上，教师不能仅通过理论教学对学生进行审美教育，审美教育是一种实践教学，教师应积极引导学生去实践发现生活中的美。例如美术教师在课堂上播放一些专题图片或影视作品，让学生进行鉴赏讨论，发表自己感悟到的美；还可以举办相关的展览，让每个学生都有机会展示自己认为美好的事物，与大家一起分享。引导学生发现生活之美，并不仅仅局限于课堂，教师还可以带领学生走出课堂亲近大自然，体验自然界中美好，进行户外写生等活动。与此同时，音乐、舞蹈、科技、文学等自身都具有美，只要学生认真去感受，都能体会到生活中的美带来的乐趣。
2.培养学生的美感
3.培养学生审美情趣
4.让学生感悟创造美
美术论文格式模板范文 第6篇
2现代工艺美术设计的创造特征探讨
现代工艺美术设计的创新性
随着全球化进程的加快，现代工艺的竞争越来越激烈，涵盖的范围也比较广。现代工艺美术要想在世界市场中取得一定的地位，加强设计技术的提升，不断对技术研发创新是很有必要的。跟上时代的脚步，就需要新的设计模式和新的构思方法。根据艺术的发展进程来看，现代工艺美术在设计部分打破了传统的形式，不只是看重产品的功能和效用，更多的是注重设计理念，在作品中添加更多的时代感元素。当前的设计，在审美情趣、文化涵养、道德理念等各个方面都有着独特的创新性，把握作品的艺术品位。
现代工艺美术设计技术的创新性
随着科技的进步，在现代工艺美术设计技术中运用设计软件越来越频繁。艺术设计中一些设计软件如PS、CDW等正在被运用，这在一定程度上促进了现代工艺美术的发展。当设计人员在运用这些设计软件时，能够有效提升他们的工作效率和设计水平，提高了时间的利用率，为创作其他作品节省了时间。当设计人员熟练地使用PS时，根据PS的功能，可以省去大量的时间，并且将信息技术与现代工艺美术密切的联系一起，提升了信息技术的运用能力，推动了现代美术设计技术的发展。采用技术促进创新，提升创作水平，才能设计出符合当代需求的美术工艺作品。
现代工艺美术设计构思的创新性
在现代工艺美术设计中，设计构思是其中重要的环节，也是设计开始的环节。良好的美术工艺作品，需要创新思维作为创作指导，将审美理念融入到工艺美术设计当中去，才能保证美术工艺作品的价值性。为了能够得到形式各异的艺术构思，在工艺美术设计加入创新性思维是很有必要的。通过采用创新的思维对素材进行收集，然后加工、处理。在当前的现代工艺美术设计中创新性的构思模式已经慢慢体现出来。结合现代工艺美术设计形式，从价值观、审美、科学科技等方面体现出创新性。当代的美术工艺艺术家，对社会中各个方面的信息广泛关注，当出现热门的事物，就会被加入到美术工艺艺术创作。因此，当前的艺术创作具有鲜明的实效性。在美术工艺作品在创作中，创新性的思维已经深入到设计者的内心，表现在设计者的设计构思当中去。一些作品都很精妙地表现出事物之间所存在的规律和内在联系，精准的展现出设计者的创新性的构思。为了能够提升构思的创新性，美术工艺设计者需要花费许多时间查找资料，对资料进行处理，结合自身的体会，为工艺设计理念提供更多的创新性内容。
3加强现代工艺美术设计的创造特性对策
加强合作设计
当前的工艺美术设计学习已经有所提升和改善，从单一的注重技能训练提升到人文性质设计者的创新精神，但是现在的美术工艺设计中还缺乏对设计师合作交流的重视，只停留在表面。设计师相互之间没有思想的碰撞和技术的探讨，从而使得设计者思维限定在单一领域。根据设计者的自身情况和能力接受情况，制定有效的设计方案，在管理形式上，重视对设计者小组合作设计的培养。加强设计者之间共同协作，共同探讨，合作解决现代工艺美术设计所遇到的问题，获取相应的知识，相互之间进行探讨，让设计者明确自己在小组合作中所处的位置。例如，在工艺美术设计中，管理者要转变管理形式，从单一的指派任务形式到自由发挥自身的特点，选择其他设计者进行工艺美术设计，促进创新思想的交流，对设计中遇到的问题进行探究和解决，通过多方面的平台和途径，来满足设计的需求，促进团体之间的交流合作，从而提升设计者创新思维能力和团队能力。
营造民主、平等的工作环境
从古代的艺术发展进程来看，艺术开始没有界限，强调和展现的是艺术的个性。在当前的艺术设计环境下，如果设计者的思维特性没有能够完全施展开来，那么就会使得所设计的作品缺少灵魂。因此，在美术工艺设计者设计中营造民主、平等的工作环境是很有必要的，同时保证作业空间的舒适性，从而更好地激发和提升设计者的创作激情和创作灵感。在管理方面对待设计人员不能适用于常规的管理手段。管理人员在与设计人员交谈时，要注重自身的语气，管理规定要结合设计人员的实际情况进行制定，注重民主气氛的营造。在和谐的环境下，可能创作出让人震惊的作品。真正的艺术家都有着各自的个性思维，可能一些个性不能被大众所接受，但是正是这些各异的个性思维才创作出许多个性的作品。因此，对于设计者的管理上，管理者不要将自身的想法强加到设计者身上，良好的工作环境，才能创作出符合市场需要的作品。
提升设计人员的综合素质
美术论文格式模板范文 第7篇
一、美术专业本科毕业论文选题与开题常见问题
（一）论文选题
合适的选题是提高研究能力和写作水平的重要保证。多数同学在选题方面缺乏新意，显得陈旧老套，自主性不强，研究价值和意义不大。其次是论文选题盲目笼统，不够精准，缺乏内涵和外延性，或文不扣题，部分题目字数偏多不够精炼，逻辑性不强。或选题偏大，无法用一两个月、数千字深入展开论述，只能点及皮毛。如《工艺美术研究》《论中西方文化艺术比较》《论中国工笔画》《论产品包装》《论中国美术发展历程》《我的何去何从》等。或是论文题目结构不完整，只有名词，缺少动词或介词，或者是重复使用动词，如《抽象与写实》《内衣的流行色》《传统民间绘画艺术性的研究分析》等。因此，导师的积极引导或建议学生选择有研究价值的和正确的选题，是学生顺利完成毕业论文写作和提高毕业论文质量的前提。
（二）论文开题报告不按照要求填写，随意拼凑一些不相关的内容
对该课题的研究目的较含糊，缺乏对课题研究价值与意义的认识。其次知识面狭窄，查阅资料不够，在该项课题国内外研究现状方面，把非常陈旧的选题说成是国内外现在无人研究，本项研究可以填补本课题空白。研究内容不够简单明了，满篇幅的长篇大论。
二、美术专业毕业论文写作方面常见问题
（一）摘要与关键词
摘要是全文的浓缩，也称内容提要或概要。主要包括研究目的、方法、成果和结论等要素。不对文章内容加以补充解释和评论，我们学生在摘要撰写时惯用“本文”、“笔者”等作为主语，习惯对论文内容作诠释和评论及自我评价。还有大部分摘要复制正文中的某一段落，结构不完整，不能够概括反映论文内容构成。关键词，是从论文的题名、提要和正文中选取出来的，是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键字的选取都是遵循一定规范的，是为了满足文献标引或检索工作的需要而从论文中选取出的词或词组。关键词的内容应该与论文密切相关，不能使用常用词，如特点、比较、研究等。
（二）文不对题或研究方向与本学科偏离
文章内容与标题有明显不符和偏差，非本学科研究范畴。如：《电热水壶的可能性研究》标题感觉与艺术设计专业无关，而文章内容却是电热水壶造型设计。还有一些文章不能够围绕主题展开论述，比如谈关于绘画情感方面课题，前一两段内容还围绕绘画情感这条主线，中间部分就偏离到绘画教学问题上了，再后的结论则偏离到另一个主题上了。
（三）写作能力方面的问题
美术论文格式模板范文 第8篇
伴随着我国高等教育的高速发展，美术院校招生比例逐年扩大，学生色彩基础差且程度参差不齐的现象正不断困扰着美术院校的基础教学。色彩写生是美术专业的重要课程，是提高学生艺术素养、观察方法和表现手法的一个有效手段。目前我国大学美术专业在色彩写生教学中还存在着一些不尽如人意之处，诸如：忽视对学生美术鉴赏能力的培养；对色彩的观察与理解不够重视；教学方法简单，模式陈旧；教师教学随意，缺乏针对性；缺乏对教师进行行之有效的评价与监督的体系等。其产生的直接结果是学生对色彩的观察能力和理解能力普遍偏低，依赖心理强，缺乏创新的意识与能力。这些都在制约着色彩写生能力的提高，不利于学生的个性发展。因此，近年来围绕如何提高学生的色彩写生能力，进而培养高质量、高素质美术人才的呼声日益高涨。由于学生在入学前很少受过色彩写生的专业训练，加上艺术鉴赏能力不高，色彩知识欠缺，观察方法不正确，因此，在色彩写生教学过程中会面临许多问题，这就要求教师在教学时必须与学生的实际情况相适应，在教学内容和教学方法上不断地改进与提高。
美术鉴赏具有艺术再创造的性质，作为艺术鉴赏对象的艺术作品，既是艺术家认识生活的成果，也是鉴赏者再认识的对象。要使学生明确美术鉴赏对色彩写生课的重要性，通过美术鉴赏课教学，参观美展等形式，使学生进一步感受色彩的魅力，理解绘画色彩的表现规律。在鉴赏作品时，要尽量选择原作，原作的笔触清晰，肌理层次分明，色彩效果生动，印刷品无法取代。如果为条件所限，也可以选择画幅大、拍摄清晰、印制精美、色彩还原准确的作品。在鉴赏过程中教师要根据自己的经验引导学生聚精会神地反复观赏、品味，有的作品细节生动，有的作品整体和谐，有的作品技艺精湛，因此，要通过鉴赏别人的表现手法，汲取画面中的精华部分。通过对作品线条、色彩、形体、构成的琢磨，体验和谐、平衡、对称带给我们的美感因素，以此激发学生的表现欲。鉴赏过程要有针对性，例如：针对学生写生时出现的色彩单一、色彩冷暖意识模糊、片面强调固有色的通病，可以着重欣赏印象派画家的作品。印象派在观察方法和表现技巧上的大胆创新，在画面光与色上的大胆突破，对学生有很好的启迪作用，色彩写生时他们不再只盯着对象的固有色，而是在光线、环境和固有色中去寻找色彩变化。
自然界的色彩虽然变幻莫测，但又是有规律可循的，只要我们在学习理论的基础上不断地与实践相结合，就能正确地掌握色彩规律。
首先，要让学生了解光与色的关系。没有光就看不到色彩，物体在光的照射下，会呈现出不同的色彩，同是阳光，在不同的时辰也会有不同的变化。法国著名印象派画家莫奈，面对同一景物，每隔一段时间画一张画，生动地表现了不同时辰、不同光线下同一景物所产生的微妙变化。通过引导学生观察，使学生印证了一般情况下，早晨和傍晚的阳光、火光为暖光；中午的阳光、天光、月光为冷光；光源的冷暖是相对而不是绝对的，同为暖光，傍晚的阳光就比早晨的阳光要暖；同为冷光，月光就比天光要冷。理解了光与色的关系，学生们也就能更好地理解环境色与固有色的相互关系，画色彩时不再一味从固有色出发，而是充分考虑了光源色和环境色对物体的影响。例如：画绿树不再只用纯绿色去表现，而是用不同的颜料调和成不同冷暖、深浅的绿色，使它跟特定的光线、环境相协调。
其次，色彩的三要素也是理论学习的重点，它包括色相、明度、纯度。写生中学生们对原色、间色、复色的相貌较容易识别，而对混合次数增多产生的色相就难以识别。因此，教师在教学中要引导学生用正确的观察方法去加以识别。色彩往往由于其明度和纯度的变化产生了无穷的魅力。教师在上理论课时，要特意布置相应的练习，让学生用画色表的方法掌握色彩的明度、纯度变化规律。实践证明，这种方法行之有效。在写生中，学生们大都能用单纯的颜色，经过调配、组合，产生丰富的色彩效果，色彩写生中的一些难题在理论学习中得到了化解。
法国艺术大师罗丹在《遗嘱》一文中说：“所谓大师，就是这样的人，他们用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来。”古今中外的艺术大师都是在观察生活的基础上，提炼出宝贵的艺术精华。没有观察就没有齐白石笔下游动的虾、跳动的蛙、横行的蟹……就没有莫奈笔下变幻的教堂、多彩的睡莲……
人的眼睛都能观察物体，但并不是人人都有正确的观察方法，培养学生树立正确的观察方法是画好色彩的重要前提。在训练色彩的观察能力时，由于学生的基础不同，先天条件、接受能力各异，所以发展是不平衡的。有的学生对色彩感受较敏锐，一旦掌握了正确的观察方法，许多问题就能迎刃而解。而有的学生对色彩的感觉能力较弱，又没有掌握正确的观察方法，尽管付出很大的努力，仍然进步不大。因此，教师在教学中既要从大多数学生的实际情况出发，提出统一的要求，也要考虑个体的差异，针对每个学生的具体情况，因材施教。要让学生明白，在对色彩的辨别上，既有先天性，也有后天性，先天不足的完全可以通过正确的教育方法获得较好的色彩辨别力。有的人虽然对色彩的感觉更具有天赋，但不进行科学的训练，只会局部地辨别色彩，一旦从整体的角度来辨别色彩之间的相互关系及色彩的微妙差别时就感到束手无策了。
在自然界中，物体的色彩千变万化，错综复杂，如何从复杂的色彩中找出其规律性，就必须首先学会整体观察，观察中要善于发现造型的优美、色彩的和谐，把握物体的主要特征和大的色彩关系。有些学生在观察中往往容易犯孤立地看某一部分、不与其他部分进行整体比较的错误，结果画出来的色彩基本上是物体的固有色，缺乏光源色和环境色所带来的变化，这是色彩写生时最忌讳的。要想改变这一现象，教师必须在课堂中反复强调整体与局部的关系，物体的局部应该服从整体的需要，局部的色彩再丰富，也不能影响整体的色彩关系。观察时还要引导学生从不同的角度去比较、鉴别，注意冷暖对比、明暗对比、纯度对比。不进行物象间明度的比较，就无法获得黑、白、灰的变化关系；不进行色彩的冷暖比较，就无法获得正确的色彩关系；不进行色彩的纯度比较，就无法感知物体的色相特点。四
色彩写生技巧的训练也是教学的重要内容，教师必须全面熟悉这门课的教学，掌握该课程一系列的知识和技能，不能只把课前画好的范画、作画步骤图展示给学生，而应该在课堂上加以演示，从构图、落幅，到铺大色块，深入刻画，调整完成，都要边示范，边讲解，使学生知其然又知其所以然。一些常见的技法，如干画法、湿画法、干湿画法、刀画法，以及如何用笔、如何用色，也应该进行示范。教师的直接演示，具有巨大的感召力，学生通过观看教师作画，对写生的方法步骤和表现技法一目了然，产生了跃跃欲试的激情，调动了学生的积极性。具体示范时，范围要大，要让全体学生都能看到，对重点、难点问题要反复强调。当写生过程遇到障碍时，要及时演示。例如，有的学生画面上常出现脏、灰、粉的毛病，教师就要对其进行调色和用笔的示范，并指出产生这些毛病的原因。除此之外，教师还必须具备其他画种的知识，加强画种之间的相互联系、相互渗透，才能达到预期的教学效果。
学生作业的相互观摩，也是直观性教学的有效形式。教学中要及早发现优秀的作业，指出画面的精彩处，使其起到示范带头作用。对于有典型问题的作业，应提示大家注意，使类似的问题得到及时纠正。一张作业完成后，可以组织学生进行讨论，让学生根据自己的经验，自由地发表意见，教师要根据具体情况进行必要的小结，肯定成绩，提出不足，或进行作业展示，对下一阶段的教学提出新的要求。
根据教材特点、学生情况，制定科学的教学程序和方法，加深对重点、难点的体会和理解，是确保色彩写生顺利进行的有效手段。
（一）单色画练习
素描是绘画的基础，单色画是素描的另外一种形式，学好单色画，对熟悉工具、材料的性能，丰富色彩写生的表现手法，提高学生的自信心有较大益处。为了让学生有一个适应的过程，可以先进行色彩的明度变化练习，以培养学生辨别色彩明度的能力，接着便可进行室内单色静物和室外单色风景的练习，为色彩写生打下良好的基础。学生有了单色画的基础，在光感的表现、空间层次的处理、色度的变化、水分的掌握、笔触的运用上也就有了一定的适应能力，色彩写生中的一些难题，在单色画中得到了化解，为画好色彩铺平了道路。
（二）大色块练习
刚开始作画时，学生的精力充沛，注意力集中，对色彩的感觉也较敏锐，这时要求学生在较短的时间内，用大笔触准确地表现出物体大的色彩关系。这样做的好处是避免了因长时间作画，感觉迟钝，或过多地表现细节，忽略整体的现象。这种大色彩稿可以保留下来，画长期作业时，用它来比较大的色彩关系会很有帮助。
（三）色彩冷暖练习
冷暖是构成色彩的重要因素，因为有了冷暖，色彩才更生动。在写生过程中，学生往往注意物体的明度和色相，忽略了冷暖，因此，在教学中应加强色彩冷暖的训练。在室内作画，物体的亮部偏冷，暗部偏暖；在阳光下作画，亮部偏暖，暗部偏冷。一般情况下，物体的暗部如果偏冷，亮部就必须偏暖；暗部偏暖，亮部就必须偏冷。同样的色彩，离我们近的暖、远的冷。
教学中可以依靠画色表的方式进行冷色和暖色、色彩的前进与后退的练习，也可以通过画不同光线下不同距离的物体，来达到练习的目的。
（四）循序渐进的练习
如何使课程循序渐进，由浅入深，顺应知识的内在逻辑顺序，这是考虑学生实际情况的一种教学方法。在我国古代，墨子曾提出：“量其力所能及”的教育方法。在循序渐进向前发展的同时，就要考虑量力性。在色彩写生刚进行时，应该先画结构清晰、色相明确的物体，由于它简明易画，能增强学生的自信心。有了成功的体验，再画结构复杂、色彩微妙的物体时就不觉得太费力。例如掌握了室内静物后，再去表现室外景物，这也是循序渐进。室内静物稳定不变，较少受时间、气候的影响，作画条件相对舒适，学生可以反复推敲画面，潜心研究物体的色彩关系。而室外景物变幻莫测，受时间、气候的影响较大，作画条件又相对艰苦，难度也就更大。所以，当学生具备了一定的室内作画经验后，才能更好地表现室外景物。
对于初学色彩的学生来说，写生中可能还会碰到许多问题，教师在教学中应从学生的实际情况出发，注意学生反馈的信息，适时调整教学内容和方法，只有这样，才能取得理想的教学效果。
参考文献：
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（2）艺术设计的材料美。目前，在人类生存和发展的过程中，材料起到了重要的作用，并是现代文明重要支柱，对社会的发展方向具有重要影响。对于新型的科学技术能够转化为生产力，材料也扮演重要的角色。因此，在现代工业上艺术设计也离不开材料，要深入处理在产品结构及环境设计中，产品在形态，颜色，质感以及肌理方面处理，这样能够显示出新型材料重要特点。在运用较为适当有效的方式去处理材料，这样才能够进一步满足人类的需求，达到一种美的共享。对于不同材料而言，工艺手段也大不相同。正如常说的材美工巧，对于不同的材料要表现出不同的特点，对产品的功能性和美感具有直接影响。对于手工产品而言，需要制造者真正去触摸材料，深入了解材料自身的性能，整点，质感等。最大限度的发挥材料本身的质地优势。例如在我国典型古代家具中，明式家具是展示出最好质地美的家具之一。对于不同器材，在一些选材，制作方式以及加工技术方面都具有独特的特征。要深入了解材料自身的特点，最终达到能够传递更多美的信息，在产品与人类中间让生产和艺术达到高度统一。
（3）技术和功能在本质上是不可分开的，而且两者还具有一定的内涵。在审美价值的本质和形态结构上，形态美能够做出明显界定，相对于功能美能够在审美价值的表现方面做出相应界定。通常来讲，美学中技术美在思辨方面更具有操作和应用的性能。随着物质生产和产品文化中对美学的应用。技术美学，文艺美学和审美教育三者，共同作为美学中应用学科。在生产方式及商品经济不断发展的过程中，技术美学在社会和技术存在科学内相互渗透，融合，达到技术和艺术真正统一。美学原理中，技术美学真正达到了物质生产和生活中具体化，又能够在美学上对设计观念进行哲学的总括。技术美学中包含了很多方面，综合体现了在哲学，心理学，社会学方面的问题，其中还包括在文化和科学技术方面的知识。
（4）艺术设计的科学美。艺术设计中科学美是一种较为独立审美状态，体现了一种理智问题。在形态的角度上对科学美进行思考，其中包括科学伦理美以及科学产品美。在创作学中进行思考，又包括理论创造美和科学实验美。科学方面的美感并不是积极体现在研究成果上的，而最注重还是科学创造的过程。科学美必须经过理智所能够深入体会。这样也表明了科学的独特之美。科学美并不是自然所存在的，更体现了一种对现实生活的领悟和感知。在此种美感中，最主要的体现了自然的和谐。无论是在外在还是在内在，均能够享有一种美感，领会更为全面美。科技美也能够作为美感中一种高级形式，在总结出美的规律后，进行创造。在人类的审美意识和心理中达到了较高发展阶段。在客观上的，在人类创造的科学发明中，是通过不断发展的，总结出自然规律中的创造的形式与成果。在低碳环保的大形势下，应遵循内外空间条件和自然条件一体化的理念。真正实现设计的科学，专业化。例如北戴河美术馆建筑就深入遵循了这一理念。具体为：
（5）艺术设计的装饰美。艺术源于以装饰成为的标志。在艺术史中，装饰艺术一直在不断前进。在手工创作时代中，一般主要是通过对自然形态对产品的外形做出形状上装饰。在工业革命时期，大多数艺术运动都是围绕着装饰及被装饰物之间的关系进行处理的。在观念上视觉和功能美学上都存在一定的更新。在人类发展历史中，装饰艺术是焦躁的艺术形态。因此在艺术设计中装饰艺术占有重要位置。
二、艺术设计美学的特点
美术论文格式模板范文 第10篇
一、中职美术教学学生创造力培育的存在问题
1、中职美术教学缺乏对学生的创新意识培养
当代学生的素质教育在美术教育中得到很好的体现，以往的中职美术教育按照教材的套路对学生进行教育，在教学过程中缺少对学生的创新意识的培养。教师往往通过一至二副较为典型的作品对学生进美术技能的培养，通过素描、色彩和软件教学等，在一定程度上提高了学生的美术技能。然学生的创造思维能力在套路式的教学慢慢丧失，学生的美术意识没有得到良好的培育，不利于创新性的美术作品的诞生。美术作为一门抽象艺术，需要通过人的思维进行探索，发挥无限的想象空间，再通过画笔等形式将奇异的思维向大众展现出来。由于目前中职美术教学师资力量有限，教师的职业技能水平不足，对学生创新思维能力培养的水平不高，不能开拓学生无限遐想的艺术空间，使得中职美术教学面临着巨大的挑战。其次，美术教学具有其特殊性，学生的创作思维能力的培养不能局限于室内教学，教师还需要安排就有特定方向的室外写生教学，通过室外观察建立起学生的创作思维认识意识，挖掘生活中的创作素材，使美术作品的质量得到提升。室外写生需要具备一定的经济条件、地理条件、天气条件和交通条件等等，所涵盖的考虑因素较多，安排价值较大的室外写生课具有相当的难度。
2、中职美术教学对学生审美情趣的培养不足
美术创作需要积累大量的生活素材，并通过自己的审美能力将生活素材恰当地衔接起来，勾画出一幅内涵丰富、线条自然的美术作品。学生的审美情趣通过后天的努力可获得巨大的进步，审美要对生活素材有透彻的认识，对生活有充分的领悟和感想。然中职美术教学模式的老化，盲目地向学生灌输艺术历史和理论基础知识，使得学生的思维能力和审美情趣“千遍一律”，缺乏艺术个性。教师尚未创造出良好的教学环境，使学生自由探索，发挥自身想象力。每个学生都有其主体的个性思维，对同一生活素材的认识和感受会存在差异，教师要尊重学生的个性审美，并在此基础上通过科学的教学手段和教学方法对学生进行培养。
二、中职美术教学中学生创造力思维培育的完善策略
中职美术教学的发展处于新的阶段，中职美术教育的相关部门抓住这一契机，对中职美术教育进行完善和改革，不断提高中职美术教学中学生创造力死维的培养。笔者在参考美术创造力相关文献资料的基础上，针对中职美术教学中学生创造力的完善提供一下建议，以供借鉴。
1、美术教学过程中提高学生的审美能力
学生的审美需要在整个学习过程中不断发掘和培养，并有针对性地营造良好的教学环境，根据教学的主体不同，更换教学模式，刺激学生的创造力思维。并通过典型作品的展示，分析作品与生活中的联系，帮助学生在绘画中领悟生活，以提高学生的审美情趣。其次，结合目前我国中职美术教育的发展特色，运用新的教学理念，开拓学生的审美眼界，培养学生的艺术个性。教师引导青年学生发挥大胆的想象力，不局限于生活素材，亦可将想象出来的素材运用到绘画中，虚实结合，增添作品的独特性，是美术教育得到长足发展。
2、提高中职美术教学的综合能力教育水平
美术教学要注重对学生基础知识的培育，从整体上提高学生的美术综合能力。学生只有对美术有整体的认识，对美术各方面都有所领悟，才可在创作时融会贯通。美术创造是学生艺术潜意识的体现，学生对美术作品不断思考和收集素材的过程中，需要运用到学生个人脑海中所积累的美术潜能。提高中职美术学生综合能力的教学力度，是学生对美术有更为深入的认识，才可更好发挥艺术创造力。
三、总结
中职美术教学的发展对社会的影响不断提升，我国将中等职业教育培养定位在技能和素质性人才上。加强中职美术教学中创造力的培育具有重大的发展意义，可提高我国美术教育的总体水平，为我国艺术创作注入巨大的活力。
美术论文格式模板范文 第11篇
一、提高小学美术民族艺术渗透的重视程度
比如，一堂陶艺综合课，如何让学生更好地去感受陶艺几千年的历史？在这里，我们可以利用多媒体技术展示陶瓷艺术的美，或者走进陶艺馆，引导学生去欣赏陶土的魅力。让学生了解陶瓷的文化对学生的美术学习也有重要意义，再直接点请学生动手制作泥塑，亲自体验陶泥几千年的历史。民族艺术和美术学习相辅相成，对学生美术综合能力的培养和美感的有效提高来说可谓事半功倍。
二、采取灵活的教学方法积极引导学生
比如，在学习小学五年级的《水墨山水画》时，可以出示一幅山水图，先引导学生独立完成一幅水墨画，无论质量好坏，至少能让他们感受祖国的大好河山，能够提前体验我们中国的绘画国粹：浓淡干湿的变化，各种毛笔所表现出来的笔法等。
当然，在学生亲自动笔实践的过程中，教师可以播放一些古典音乐为学生创造绘画的意境，让学生身临其境地感受中国画的无限魅力和艺术成就，这样学生将会从心底自然萌发出对于民族美术的无限热爱和崇敬，这对学生的学习和进步有十分重要的现实意义。尝试后，老师再用画家表现的山河，以及自己的示范向学生讲解，充分发挥了课堂学生自主学习的作用。
三、要将小学美术民族艺术的渗透落实到生活实践中
生活中处处体现着中华民族伟大祖先的智慧和艺术，小学美术教学可以与具体的生活实践相结合，让学生无时无刻不体会到美术中所蕴含的民族艺术。例如，敦煌壁画、虎头鞋、窗花、中国结、剪纸、春联、年画等，我们都可以利用教师的示范或者是作业的形式让学生感受民族艺术的魅力所在，让他们深刻体会到生活中的美无处不在。这样学生对美术将会有全新的思考和认识。比如，三年级的《门窗墙》一课中，我们就可以将学生带入大观园，去欣赏我们故宫中的各种门窗墙。比较苏州园林里的门窗墙和故宫里的门窗墙的区别。用各种比较和欣赏的方式，让学生学有所得，学有所乐。
小学美术民族艺术的渗透应该从小培养，从生活中的一点一滴做起，弘扬中华民族艺术是每一个公民身上的责任，我们应该充分调动自己的积极性和创造力，让小学美术变得更加丰富多彩，让学生充分感受到美术中所蕴含的民族艺术。世上一切形象中，最吸引眼球的首先是最美的事物，只要我们善于观察，发挥想象，每件作品都会有意外的呈现。相信经过全体师生的共同努力，小学美术中民族艺术的发展将会更加光明。
美术论文格式模板范文 第12篇
1 关于南阳汉画
南阳汉画像砖、画像石的神秘气息、浪漫精神，丰富的想象力及表现形式的多样性特征，形成中华民族的本土艺术精神，汉画像中的动物、神兽和人物、仙灵在形象特征表现上运用了想象、奇幻、夸张、神似的手法，生动奇丽，暗示性地传达了汉画的精神内涵与品质，南阳汉画的奇幻神似的形象特征，在超越时代局限的同时，在艺术成就上实现了艺术的精神内涵创造和艺术形式内涵创造的完美结合，艺术表现方面比较多样化：
(1)雕刻技法多样化，主要可分为平面阴线刻，凹面阴线刻，平面剔底浅浮雕、横竖纹衬底浅浮雕以及局部的高浮雕等。其中又以横竖纹衬底和平面剔底浅浮雕为最多。(2)画面布局疏朗，主题鲜明突出。(3)形象刻画不饰细部，注重整体效果。简略的大轮廓显示出粗犷、豪放的审美特点，(4)恰当的夸张和变形，使南阳汉画迸发出一种震撼人心的力量和气势，(5)画像线条流畅，动感强烈，如行云流水，又似轻歌曼舞，充盈着浪漫、洒脱的美学情趣。
2 室内空间现状问题透视
室内设计在我国成为一门专业仅有二十多年的历史。在经历了对中国传统和西方现代派作品的学习、模仿甚至抄袭的启蒙扫盲之后，中国室内设计开始步入了自己的创新阶段。不少室内建筑师已经在思考如何“创新”，如何“体现地域文化元素”，提出“本国特色”的需求，应用某些手法已反映了是在不自觉地应用某种艺术文化元素。
室内设计元素的开发需要中国室内建筑师不断地在实践中探索，在探索中总结，将认识向理论高度升华。同时，室内设计又是多元的，除了满足人们的视觉需求外还有精神需求、文化需求、物质需求、使用需求、环境质量需求……所以我们对室内设计理论的探索也必定是多元而又丰富多彩的。
3 汉画在室内空间的应用
3．1 风格定位
(1)中国古典风格。
儒家思想作为中国古代的文化主干，强调的“礼”制约着中国伦理道德，也制约着人们的生活起居、伦理观念，民俗礼教的载体，在比较封闭的室内，主仆分明、长幼有序、尊卑有别，既能分割，又便与联系。在传统建筑装饰中追求个性的无拘无束、妙肖自然，“丰富完满之美”“空灵脱俗之美”“天人合一”之意境之美，讲究图必有意，意必吉祥，注重理想浪漫的“神似”及“情”与“理”交融，同时影响到室内的陈设，所以汉画作为中国古典设计元素足已体现出“礼”的境界。
(2)新古典风格。
①“形散神聚”是新古典的主要特点。在注重装饰效果的同时，用现代的手法和材质还原古典气质，新古典具备了古典与现代的双重审美效果，完美的结合也让人们在享受物质文明的同时得到了精神上的慰藉。②讲求风格，在造型设计的不是仿古，也不是复古而是追求神似。③用简化的手法、现代的材料和加工技术去追求传统式样的大致轮廓特点。
新古典设计风格在当今室内设计中是比较流行的，在室内装饰上可以采用现代的手法和材料将汉画的体现出来，勾勒出汉画的轮廓，在空间增添出古典的气息，文化的韵味。
(3)帝国主义风格。
帝国风格作为法国第一帝国时期的一种风格，它显示一种权威，以男性为中心，线条硬朗，气派豪放。在举行第28届雅典奥运会时，中国与希腊联合发行《奥运会从雅典到北京》纪念邮票，其中的“北京天坛祈年殿”邮票背景衬图及小版张边饰采用了南阳汉画像石——武士，从而展现了中国深厚的文化底蕴。达到一种文化交融的效果。由此，我们尝试可以在此风格的装修中加些汉画元素。帝国主义风格体现的都是些硬直的线条，汉画一般体现的是曲线，当一种风格体现硬直的线条时，曲线的运用更加重要。帝国主义风格是炫耀般的，毫不掩饰的，高调的，汉画则需是含蓄内敛与低调的，这样的搭配在不动声色中达到视觉平衡、做到以柔克刚的效果。
(4)新汉代风格。
张锦秋师承梁思成先生提出了“天人合一”的时空观和“和而不同”的创作观，新汉代风格不同于古典风格，它应是现代功能技术与早期文化特征的和谐统一，例如可以利用现代技术表现汉代的设计风格，在跨度、大空间的营造，采光、通风等各技术层面满足内部空间的使用要求，使其成为展厅、浴场、饭店等功能性场所。其次，在表现汉代风格文化的特有气质和内涵上，对空间形式的处理，并不是简单的模仿，而是将汉代建筑的符号特征经过艺术的加工，创造性的表现出来。例如平直、古朴的檐口，简洁、雄健的柱饰；高耸、气派的石阙等，将这些元素提炼、加工，运用现代的设计手法加以表现，在建筑细部上对汉画中的人物、动物、植物、文字、几何纹、云气等纹样进行抽象再造，打造质朴、雄浑的新汉代风格，设计中可以在重点区域使用“方”、“圆”为母题组织平面布局，突现“明堂辟雍”的传统理念。色彩上以灰白色为主调，在檐口等重点部位使用红褐色加以点缀，典雅而醒目。
3．2 汉画题材的选择
(1)祥瑞、辟邪升仙类，
其中的祥瑞动物有青龙、白虎、鹿、大螺、玄武(龟)、朱雀(凤)等，以及许多叫不出名字的怪异禽兽。升仙的方式主要有羽人戏龙或乘龙、驾虎骑龟，鹿车、虎车、鱼车等。
(2)舞乐百戏类。
常见的舞蹈有建鼓舞、踏鼓舞、长袖舞、七盘舞等。杂技与幻术项目主要有倒立、飞剑跳丸、冲狭、弄壶、吐火等，
(3)角抵戏类。
其表演形式可分为人与人斗、人与兽斗和兽与兽斗三种，前两种又包括徒手相搏、持械相斗和戴假面具等多种形式，斗兽画像中常见的动物有牛、虎、熊、兕等。
(4)天文星象类。
典型画像有刻有阳乌或三足乌的日轮、刻有蟾或兔的月轮、表现日食天象的“日月合壁”、象征“四宫”二十八宿的“四神”、牛郎织女星、北斗星、苍龙星座、白虎星座、慧星(蚩尤旗)等。
(5)神话传说类。
伏羲、女娲、羲和、常羲、羿射十日、嫦娥奔月、雷公出行、风伯、雨师、河伯鱼车、东王公与西王母等。
(6)装饰图案类。
主要有菱形穿环、菱形套连、十字穿环、三角形图案等数种。
3．3 汉画在室内空间界面的体现
(1)墙面，在室内设计中，墙面的装饰效果一直被设计师所重视，也是大部分设计师发挥艺术能力的重要载体。将汉画发挥到墙面的装饰上是不难的事情，采用的材质空间比较大。
(2)吊顶，在室内装修中，一般采用木龙骨做骨架，用石膏板或木材做面板，涂料或壁纸做饰面终饰的藻井式吊顶，做这种吊顶时，我们可以将汉画图案绘制在藻井中间的位置。石膏板吊顶在室内空间应用的非常广泛，这种吊顶一般都采用在空间的四周，这样避免降低空间的高度。这样在吊顶的中间就可以采用汉化的图案。例如，酒店大堂、宾馆的吊顶中间，酒店包间的吊顶中间等等。
(3)隔断。隔断工程，近年来发展较快，许多地区已采用。隔断工程种类繁多，它能代替繁重的抹灰饰面工程，隔断的种类比较多，有活隔断、死隔断、家具隔断、立板隔断、软隔断、推拉式隔断，在隔断上采用汉画艺术是比较灵活的，可以以实体的模式进行绘制，也可以以镂空的模式进行雕刻。
(4)地面。理石拼花在大堂空间的人口处是不可缺少的一部分，通常采用的理石拼花均为一些几何图案，造型比较单一，缺少一些艺术特色和文化特点，如果在理石拼花上采用汉画的图案一定会增添不少艺术效果。
3．4 汉画在室内空间的制作方法
美术论文格式模板范文 第13篇
论文摘要：中学美术课是对学生进行审美教育的最好课堂，能使学生在少年青年时期就形成正确、必要的审美情趣与审美观点，进而培养他们从小就受美的熏陶，懂得美丑之分。那种因美术课在中考中不占分值，误认为是一种闲科，把它称作“副课”的认识和做法是极端错误和有害的，这是片面追求升学率形势下的产物。初中生正处在思想从幼稚走向成熟的过渡期，也是个性形成的重要时期，这时的青少年具有较大的可塑性，所以这个时期的审美教育对他们今后性格的形成起着关键的作用。因此，上好中学美术课，提高和创新美术教育课堂艺术，是新课改的一个重要组成部分。每个教师都应该积极探索提高课堂教学质量的教学艺术，按教学大纲要求，任善任美地完成自己的使命。
美术课的成功取决于教师教得成功与学生学得成功两个方面，这是辨证的两个组成部分，缺一不可，只有双方和谐到了极至，那么美术课的教学就能取得成功。因此，美术教师必须首先从“教得好”来带动“学得好”，从而走向美术课教学完美的顶点。
由于美术课每节内容和要求不同，上课的形式也应是多样的，可能每堂课会各有特点，因此按照旧有教学模式照搬照抄老师讲，学生听这种模式，早就跟不上形势与教学发展的步伐了。随着新课程改革不断的推进，我们在美术课教学中常用“导入”、“示范”、“讨论、合作”、“巡回指导”、“学生作业评价”等多个环节与分阶段来引导学生主动参与，即必须让听课同学来动脑、动手（实践操作），达到充分地调动学生的学习积极性，发挥学生的主观能动性，让他们有想象和创造与实践的空间，想自己所想与做自己想做的东西（作业），这样，才能使学生对美术课的学习始终保持浓厚的学习兴趣。
一、营造轻松愉悦的课堂环境
教师进入课堂，不能一味地严肃过分，绝不能让学生在听课时感到有丝毫的压抑，相反，生动幽默的插曲式的开场白，能给学生感到轻松愉悦，很快能被教师的话所吸引，并注入自己的兴趣，换言之即是学生的思维会不自觉地被教师牵引着往纵深走去。美术教师尤具需要这种课前导入艺术。
“色彩中的三原色是什么？”在新学期的第一节美术课中，我这样提问。同学们立即纷纷举起了小手。“杨博士，你来回答”，正当同学们在惊奇我是如何知道这个成绩最差的“杨博士”的名字时，“杨博士”支吾了半天，终于回答出了“红、黄、蓝”这个正确的答案。“非常正确，回答得十分好！看来，杨博士，真是名副其实的啊！您不仅人长得帅，问题也回答得很美，希望在新的学期里你能够成为我们班级中成绩最帅的小博士。”我的这几句赞扬话引来了全班同学善意的笑声，再看看“杨博士”，平时一向低着头的脸早就灿烂成了一朵美丽的玫瑰花，心里当然十分开心。与此同时，“杨博士”对教师也产生了由衷的敬佩，他的自信也就在教师的赞扬与同学的鼓励中油然地萌生。无疑，这几句正面鼓励的话语使这位原来成绩上较差的学生看到了自己并非全无是处的一面，教师和同学给予他的无异是一种由差转优的最好的心理催化剂和原动力。而其他所有的同学也都分享着“杨博士”的喜悦，课堂气氛顿时十分活跃，注意力高度集中，在这轻松愉悦的气氛中，大家聚精会神地听着老师上课。当然，今天老师要讲的有关三原色的课堂内容顺理顺章地按备课准备的步骤一步步渐进，课堂上有讲、有问、有答，大家毫不拘束，动脑、动口，听得津津有味。不知不觉中，该授的内容已经完成，教学目标已经达到，此时，下课铃响了，然而学生们感到这节课太短了，感觉到言犹未尽呢，至于这堂课的质量，那就不言而喻了。
二、设计引人入胜的导入教学
俗话说：“良好的开端等于成功的一半”，课堂教学亦一样。美术课中的探究是学生积极主动地获取美术知识、领悟美术技能技巧而进行的各种活动。根据中学生好奇心强的心理特征，美术课开始就不失时机地诱发学生进入角色，是提纲挈领的重要环节，这个环节抓好了，就会取得良好的学习效果。
在学习《服装的搭配》一课中，我预先准备好了各种款式、各种颜色的服装。上课前我首先请一些同学上台试穿准备好的各式服装，此时坐在下面的同学都纷纷表现出了兴奋的表情，还纷纷提出了自己的意见。“这件款式不适合”、“他穿的颜色不好看”、“那件衣服太棒了”，很多同学都举手发表自己不同的看法。此时全班同学都思想集中到一点上，达到了心往一处想的境界，同时也都沉浸在欢乐中，课堂气氛特别活跃，大家一致在思考：服装该如何来搭配才好呢？在轻松愉悦的学习氛围中，已经自然而然地引出了课题《服装的搭配》，学生也极有兴趣地听着老师讲授《服装的搭配》。这样的导入确实是收到了事半功倍的效果。
三、注重有个性的示范教学
美术教学是一种直观的形象教学，需要通过教师采取一系列的教学方法和教学手段，向学生传授美术方面的知识、技能和技巧。而在整个教学过程中，示范教学发挥着不可替代的作用。
如在《徒手画校园》一课中，教师展示了很多平时所画的一些速写，先让学生们观摩，这样一下子就让学生们来了劲道，同学们用羡慕和敬佩的目光看着老师的画，不禁发出由衷的赞叹：“哇！真漂亮！”、“画得真好啊！”此时的学生，最想了解的是这些画是怎样画出来的呢？在接下来的教学环节中，是老师拿出了铅笔快速地画了一个卡通的人物，这时候，全班鸦雀无声，学生伸长脖子，高度地集中在教师的示范动作上，学生的胃口被吊起来了，学习的积极性和主动性很快被调动起来，大家都已经是跃跃欲试，都想自己一试身手了。在老师的简单示范下，学生都不自觉地开始在纸上画起来，而且是那样地认真和投入。就这样，教师的示范教学在课堂中得到了意想不到的良好作用，教师示范良好的效果最终是完成了一堂极其完美的教学课。
四、改变满堂灌式的教学程序
在美术课中，采用小组合作的学习方法既能够发挥学生各自的长处，又能提高同学之间的团结协作的精神与作用，能使美术课完成教学目标起到“水到渠成”、“瓜熟蒂落”的效果。
在讲授《校园环境标识设计》教学时，通过创设情境，请几个同学来回答学校中还需要哪一些校园环境标识的设计。教师首先引导学生同桌相互交流。“把你看到的与你同桌的同学互相说一说。”然后，以四人小组交流，最后，再由四人中的一人在全班发言交流。教师提示，让学生感知：哪些地方需要环境标识设计？怎样来设计？最后大家来确定如何为我们学校的公共场所设计出环境标识。如：食堂、多功能厅、实验室等等。学生先通过小组合作探究，讨论如何来设计校园环境标识，讨论中学生们见仁见智，各抒己见，并且都表达了自己对标识设计方案的理念与表达形式，分组集中讨论后，发表意见的学生到讲台上都说出了各组各同学不同的设计方案与表达形式（即图案）。有的说：“用男女不同的体型来设计男女洗手间”，有的说：“用五线谱音符来设计音乐室”，有的说：“用一个在运动的人形表示体育活动室”。还有的人说：“用一台电脑，作电化教室标识”，“用一只手掌，一条腿打上边‘×’作草坪绿化带标识”，“用一本打开的书上放一支钢笔作阅览室标识”如此等等。总之学生们是用足了脑筋，选取最印象最直截了当的图案来作标识，这些标识理念新颖深邃，形象鲜明简洁，很有创意性和实用性。由于学生各自对事物的理解观点、设计意图的不同，结果得出了各种不同的设计思路与图案表达方式，但是这些设计思路都是有依据、有创意，不肤浅。学生的思维创造，爆出了灿烂的火花，使教师自己也大吃一惊。于是，教师都一一给予了肯定和赞扬，这样，我让全体同学体验到了自己成为一个小小设计师的成功和喜悦，这一堂课学生们都对自己的作为充满了深深的成就感，不用至疑，这确是一堂收获巨大又十分成功的美术课。
五、引入科学激励的评价体系
叶圣陶先生说过：“批改不是挑剔，要多鼓励，多指出优点。”新课程改革，给我们提出了严峻的挑战，因此，必须客观地分析现实，同时必须建立起新的评价体系。如果我们用：“画得太小了”、“画面太脏”、“画得不认真”等等，去挑剔学生作业，甚至于将学生作业撕掉，要他重画这样的简单粗暴方法来对待学生，只能使学生对美术学习受到严重打击而越来越失去信心，渐渐地就会失去学习美术的兴趣。这样的评价显然是教师对评价目的还理解得不够，简单粗暴、专断的行事，对学生的教育也可能带来负面消极的影响。其实每个学生都有一定的闪光点和可取之处，教师应十分注意发现孩子身上各种不同的甚至极其细微的优点和长处，并尽量使其放大和扩展，努力使其能得到正面引导与鼓励，形成进步动力，继而在这门功课上能得到发展。“你能动脑思考,但还须进一步考虑”，“你真棒，再想想、改改，肯定还要好”，“理解了，但总结得不太全面，要再深入一点就会更好”,“相信你再下些苦功一定能行的”等等。这样的评价，以鼓励为先导，话语也温和亲切，使学生能时时感到老师的亲切与温暖,老师对自己的关怀。这样，才能使学生乐于做作业，乐于改正作业中的缺憾与错误,同时能促使其进行自我反思，达到提高。新课程改革的这种评价，将使每一个学生都努力向“成功”进军，最后成为成功者，这样激励性的评价，不但能促使学生的潜能得到最大限度的发展，也能让学生知难而进，去攀登一个又一个高峰。
六、精心拓展美术第二课堂
初中生课业负担较重,学生也觉得自己长期处于紧张的学习状态中。因此,在美术课外活动中如何让学生放松心情、陶冶情操就显得尤为重要。美术课的活动内容广泛、形式多样，要让学生能在自由的空间中进行各种美术活动,从而有利于丰富学生的精神生活、陶冶高尚情操,发展学生思维力、想象力和动手能力,同样也能激发学生对美术学习的浓厚兴趣。
经常组织学生参观美术展览、美术知识讲座，美术、书法比赛，学生美术作品展、班级校报评比、个人手抄报比赛等各种活动，能促使学生在活动实践中增长自己的才智，借于丰富自己的创造力、想象力。学生们从此类活动中能真正体会到劳动的乐趣和他们自身的价值体现，体会到创造性劳动的愉悦和成功，从而使学习的兴趣渐增和形成良性的循环。
在地方课程21课《东明山森林公园》中，我利用课外活动时间组织了部分学生参观了园内及其周围的东明寺、沈括墓、张浚墓、赵鼎墓、瑶山祭坛、土垣遗址、九度关隘等等本地诸多闻名于世的人文历史景观和美丽的自然风景。通过游览和观赏东明山森林公园，学生不但拍下了许多美丽的风景照片，回来后又完成了一幅幅具有东明山森林公园特色的优秀作业，圆满地完成了预先的教育目标。
美术是美的教育，美时时刻刻就在我们的生活中。我们应该积极引导学生时刻关注美、感受美、欣赏美、享受美。把美术教育与学生的日常生活实际紧密相结合,并以此来激发学生进一步学习美术课的兴趣。
美术论文格式模板范文 第14篇
浅谈高中美术欣赏
【摘 要】 欣赏首先要选择优秀画家的优秀作品。其次，在进行欣赏教育时，有必要让学生充分地了解中国的艺术，提高民族荣誉感。要手段多样，要调动情绪，要言简意赅，以达到开阔眼界、培养爱好、陶冶情操之目的。
【关键词】 欣赏 审美 多样化 艺术化
1 美术欣赏作品的分类
美术教材欣赏大致可归纳为三类：一是古今中外名作的欣赏，如达·芬奇的《最后的晚餐》、梵高的《向日葵》等名家作品，是欣赏教学的重头戏。二是范图的欣赏。主要是针对某一概念或某一技法而配备，对于提高学生的绘画知识与技能至关重要。三是其他门类的欣赏，如雕塑、建筑以及剪纸、编织、印染、拼贴等工艺制作。
2 美术作品欣赏的方法
首先，选择优秀的画家，优秀的作品。对于一件美术作品，教师大致可以从四个方面来引导学生欣赏：①是作品直观形象的欣赏，也就是作品给人的视觉印象。②是艺术风格特色的欣赏，它包括构图、色彩、透视、表现手法等，主要指的技巧。③是与作品相关的边缘内容的讲授，包括艺术家的生平、爱好、传说、趣闻及当时的社会背景等。④是对作品思想内容的挖掘。
如：十九世纪最伟大的雕塑家罗丹的大理石雕塑《沉思》，我们会同时浮现双重的现实感：一种是通过洁白润泽的大理石，造型语言等材料和媒介透出的再现形象；另一种是由这个再现形象激起的对外部客观现实的联想。体现的恰是梦想与现实，精神世界与物质世界的矛盾。这是一座面目俊美的女性头像，她低着头，周围萦绕着梦想的气氛，但是她的颈项，甚至她的颔都在一块粗大的石头上，好像夹在不能摆脱的枷板中一样，但是她丝毫没有办法摆脱现实的沉重束缚。我们应该要引导学生在欣赏中感觉到这种美的力量。一个朦胧中的少女有着自己的梦想，这与中学生多梦的性格是如此的接近，这种心灵的沟通和激发，如电流通过全身，精神上的自由和超越，忽然间犹如脱胎换骨，学生在美的享受中自觉的接受了罗丹的高尚艺术品格，尽管也许不一定所有的学生都有这样的感受，但这种教育的深刻性是永远不能泯灭的。
又如：梵高，他尽管只活了37岁，而且是孤僻、自闭，精神分裂，真正的去了解他，了解他的生活，了解他的品格，我想学生会对梵高充满了尊敬。
脾气古怪的梵高从小就不合群，不仅长相难看，有时羞怯，有时又冲动粗鲁。他拒绝社会，社会也拒绝他；但他向社会献出诚心，社会仍然拒绝他。他在一家寄宿学校任法语教师，看到了贫苦的学生的生活状况而没有向他们收学费，于是他被解雇了；他满腔热情，一往深情地追求真诚的爱情，但不是被戏耍，被背离，便是酗酒放浪，于是被“解雇”了；他如痴如狂，满怀虔诚的创造绘画作品，却因不被世人理解，难以找到知音，于是他又被“解雇”了。然而梵高并不太在乎人们是否理解和接受自己的作品，他只是把画画当作宣泄情感的一种最佳方式。“我画画不是使人苦恼，而是使人们快乐”。他在一到信中这样写道。这一点着实令人惊讶，也使人们得以窥到梵高的内心：尽管生活如此对他不公平。他仍然热爱和渴望生活。
他的代表作《向日葵》，作为一副静物画，从它色调，布局，瓶花的特定形成构成，以及笔触的运用，油彩技法上的处理，都显示出画家对自然，生命，人生的独特情感的体验，传达出一种既热烈又悲伤，既骚动又孤寂的心理情绪。学生只有在充分了解梵高的基础上才能真正体会到这俯仰张弛挣扎的向日葵的内在涵义，充溢着张力的新生命在凋残痛苦的旧生命中诞生。学生在欣赏时自然而然地想象到梵高的一生，沉默，欲喊又喊不出来的压抑人生。而更重要的是梵高的这种爱心和渴望生活却永远留在学生的心中。
中国的绘画具有悠久的历史和独特的风格。
据记载，早在春秋后期，周代都城的政治性建筑“明堂”里，就绘有“尧舜之容，桀纣之像”。但是从1949年出土的两件战国帛画的线描人物形象，略加色彩的绘画技巧来看，我国至少在两干多年前已经达到一定的艺术水平。到了战国以后，中国古代绘画也在不断地完善和丰富着它的艺术形式，表现手法，艺术风格以及各种绘画体裁，画家们将书法的结构，用笔运用到绘画中去。它不仅是中国近代，现代绘画艺术发展基础，而且对我国一些邻近国家也产生了重要的影响。我想，用长流不息来比喻中国的绘画是最合适不过的。
中国的文化是以“人”为中心的文化。
它以笔墨“线索”作为塑造意识形象的根本要求，并融诗入画，使画的意境，布局，笔墨，色彩完全诗化而成为“无声的诗”。中国绘画是多点透视，在游动中看世界，不但能画出肉眼之所见，而且能画出心眼之所见。山前山后，屋里屋外，长江万里，四季花卉，皆可同时纳入画面。因此，中国绘画是属于艺术美学，抒情诗学，写意画学。学生通过多方面的了解，必定会对美术有新的认识，在欣赏美的时既自觉同的接受了思想教育。
3 教学时教师的注意点
教师要提高对欣赏课的认识，教师首先要对作品有一个较全面深刻的理解。欣赏的角度要独特，注重美术欣赏趣味性。欣赏的内容不可过深，时间不可过长，内容不肯过多过滥。
欣赏时要有重点，有些作品以艺术特色、绘画技法欣赏为主，而有的在艺术特色欣赏的同时更要对作品的主题思想学习领会。此外在选材上也要有主有次。
欣赏的手段要多样化、生动化、艺术化。
欣赏后要有检查和总结。可以采用提问、谈话及考试的方法来进行。使之达到复习巩固减少学生遗忘的作用。
应该说每一幅美术作品、每一位艺术家的后面都有许多情节可以发现。作为美术教师应千方百计地设计美术欣赏课的教学过程，以各种新的手法去激发学生兴趣，上好高中美术欣赏课。
参考文献
1 [美].阿纳森著。西方现代艺术史。天津人民出版社
2 [德]玛克斯。美学与艺术理论。中国科学出版社
3 [美]肯拜尔等著。世界雕塑史。浙江美术学院出版社猜你喜欢：
美术论文格式模板范文 第15篇
近年来，由于国家教育政策、分配制度的改革使得师范生源综合素质不断下滑，由过去的“尖子生”变成了各初中的“双差生”，管理难度加大。首先很多学生的学习基础不好，在初中阶段没有养成好的学习方法和良好的学习习惯，因此在今后的学习过程中困难重重，甚至在学习的第二年出现退学的现象；其次大部分学生并不是因为喜欢幼教这门职业才报考，而是升学无望之选，所以在校期间我行我素，纪律涣散，增加了学校管理的难度。再次，进入幼师学校学习以后，由于对幼师这一职业缺乏基本认识，对未来职业发展要求不明确，所以在学习中缺乏明确的目标。比如在美术这门学科学习中大多数学生不够重视，在他们印象中认为和初中一样美术课是一门副科，没有意识到学习美术与将来自己要从事的职业的关联性。
二、幼师美术教学方法初探
（一）革新教学理念，深化教学方法改革
美术教育在对人格的塑造，实践能力和创新精神的培养方面起着巨大的作用。“以美引善，提高学生的思想品德”，“以美启真，增强学生的智力”，“以美怡情，增进学生的身心健康”。所以美术教育首先应该是一种素质教育，单纯的培养学生的美术技能无法实现“美育”的真正目的。也就是说美术教育只是一种手段，学生的全面健康和谐的发展才是最终目的。因此，在幼师美术教育教学实践中，强调知识技能的同时，也要注重把幼师生作为“一个特殊的人—个未来的幼儿教师”来培养。对幼师生的教学方法必须考虑到他们未来所从事的职业的特殊性。当前幼儿园的教师必须是一专多能型的，因此我们的美术课必须改变以往纯专业、程式化的教学模式。在专业知识学习的基础上，应该探索这些知识如何在学生将来的工作中得到实际应用。比如：学习素描知识的过程中，启发幼师学生如何让幼儿理解空间和体积，使复杂的形态几何化、简单化，培养幼儿的观察力激发其想象力，引导幼儿关注周边事物，关心自己所生活环境。这样一来，就会激发他们绘画的欲望，表达出幼小心灵对生活的体验。使复杂而枯燥的素描简单化。
（二）多学科与美术教学相结合
（三）在课堂教学中积极引导，培养学生创新意识
（四）强化教师自身素养，打造适应幼师教育需求的教师队伍
1、教研结合，塑造科研型教师队伍
教师要正确对待教学与做研究的关系，应把实践和理论正确的结合起来。既要掌握教学方面的知识和技能，又要懂得在教学中做好研究。实践与研究相结合是塑造科研型教师有效途径。要学会在教学实践过程中发现问题、总结经验、探究反思。定期在教研活动中围绕问题展开研究讨论，不断改进教学方法，以适应学校升格转型的要求。
2、搞好师生关系，构建融洽的学习氛围
“教师是教育过程的设计者、教育活动的组织者、学生行为的观察者和帮助者、是学生的朋友和父兄。”近些年，由于师范院校生源质量低下，给教学和管理带来难度，师生关系愈加紧张，教师鄙视、辱骂学生的现象时有发生，教育质量也急剧滑坡，教师受着社会日益尖锐的批评。为改善不利局面，我们应该从自身找问题，想对策，在困境中求生存，谋发展。首先，教师要根据学生的实际情况，选择适合的教育目标的教育内容，比如幼师生刚进入学校没有一定绘画基础，让他们去学素描、水粉画等这些专业性较强的知识有较大难度，教师不能应此而辱骂鄙视学生，这样会使他们产生厌学情绪，影响教学效果，最总无法达到预期的教学目标。我们要用平和的心态去对待每一位学生，对于一年级的幼师学生在美术课中应该多开设一些例如简笔画、线描画、平面装饰画之类的比较简单的有助于训练基本造型能力的科目，先让学生喜欢上这门课，循序渐进，由浅入深.。其次、教师要有足够的耐心去启发和激励学生的学习动机。由于生源质量的下降，学生不爱学、不想学、不会学的现象比较突出。因此，我们应该探索一条让学生乐于学习、善于学习的方法。例如，在幼师美术教学中根据学生特点欲擒故纵，积极创造条件开展课外写生、采风等活动。通过组织课外活动，增进师生关系，启发学生学习热情，逐步使学生由被动学习转为主动积极学习。再次，教师既要融入学生当中，且要保持一定的距离。教师在与学生的交往中要善于观察学生行为，在学生需要帮助时及时给予帮助。同时教师也要严格要求每一位学生，遇到问题不能得过且过，让学生既想亲近你同时又很尊敬你。这种平衡的拿捏有助于建立和谐的师生关系。
3、加强学习，培养博学型教师队伍
随着社会的发展，对幼师教育提出愈来愈高的要求。要想适应时代的要求，美术教师就必须不断丰富自己专业知识，提高业务水平。同时，还应多学习文学、哲学、心理学等学科知识，关注国内外教育教学研究新理论新成果，关心时事政治，不断提高自身综合素质。此外，学校要为老师积极寻找进修培训的机会。例如：利用多媒体参加远程培训；邀请校外名师来校指点迷津；组织美术教师参加、观摩美术展览等。总之，只有不断的学习，才能丰富的知识储备，开阔眼界，增长阅历。从而更好地服务于教育事业。
三、结语
美术论文格式模板范文 第16篇
美术教育是人类重要文化教育活动最早的门类之一，没有美术教育就不可能有美术的延续和发展，因此，美术教育适应于人们延续美术文化、传播社会知识、表达内心情感、满足审美需求的愿望而产生，并随着人类的进步和社会的发展而渐趋成熟。作为一种重要的教育门类，美术教育以其独特的方式发展和完善了人的精神和身体，促进了人类文明程度的提高，同时其自身也在这一过程中得以发展和完善，并与人类及其社会形成了彼此互助，双向建构良好和谐的关系。美术教育与人类社会的价值关系主要表现在，一是可以作为造型活动的入门之径，有助于培养社会所需要的具有较高审美意识，具有一定造型能力和造型技能的生产劳动者;二是可以作为一种有效的教育手段在整体教育环境中造就具有高尚情操、健全人格、发达心智的现代公民。艺术设计这一名称见于教育部1998年7月颁布实施的《普通高等学校专业目录》中，普通高等学校专业正式以“艺术设计”取代“工艺美术”这一提法的专业名称沿用了几十年［2］。从严格意义上来说，艺术设计教育这一专业名称至此真正的确立起来。艺术设计具有本体的多种特殊性，它不是一种纯艺术现象，是人类为生存而进行的造物活动，是人为了实现实用功能价值和审美价值的物化劳动形态。这种造物具有一定的审美属性和精神价值，是一种艺术化的造物活动。与纯美术教育有严格意义上的不同。艺术设计在内涵上是从技术的、经济的、社会的、文化的角度出发，以功能效用与宜人性为目的，利用一定的物质材料和工艺技术，运用一定的艺术手段，按照美的规律进行构想策划，使之转化为具有特定使用功能、外在形态人机关系以及文化意味的实用物品。内容广泛涉及衣、食、住、行等人类生活的各个领域与各个层面。它既包括功能性较强的实用品设计，也包括审美性较为突出的观赏品的设计制作;既包含以手工艺为媒介的传统型设计，又包含以工业化大生产为基础的现代造型设计［3］。艺术设计教育通过有关艺术设计的基本理论、基本知识的传授，通过艺术设计能力、设计意识的培养，通过艺术设计方法、设计技能的训练，培养具备创新素质与持续性发展潜力，能够胜任艺术设计、教学、研究、生产与管理工作的专门人才。
二、人才培养目标的差异性
在推进艺术设计教育现代化的过程中，进一步强化现代教育的意识。社会进步，要求人才的素质全面提高;市场经济，要求人才有更强的适应能力和竞争能力;科学技术的发展，要求人才有更高的思维能力与创造能力;高科技的兴起，要求人才具有多学科知识的综合基础和掌握现代技术的能力;加强与国际接轨，要求人才对世界文化有更深入了解和批判吸收的能力。艺术设计教育要为现代化社会服务，教育思想首先必须现代化。简言之，艺术设计教育在于为现代化社会培养高素质优秀的专业设计人才，促进国民经济的健康发展，满足人们的物质生活需求，并在此基础上改善人的生存环境，完善人的生活方式和工作方式，促进全社会健康、稳定、合理、秩序的发展。
三、教学课程和设置的差异性
中国的高等美术教育早在20世纪40年代就已开始出现了，当时北平国立艺术专科学校就是以纯美术教育和实用美术教育发展起来的，新中国成立后国立艺术专科学校改名为中央美术学院。主要的专业系科为:国画、油画、版画、连环画、年画、雕塑、实用美术等专业。基本上是以绘画、雕塑、实用美术为主。1956年11月由_批准由中央美术学院华东分院实用美术系、中央美术学院实用美术系、清华大学营建系等单位的专业教师及若干名海外归来的专家共同组成成立了中央工艺美术学院，2000年并入清华大学，变成现在的清华大学美术学院。至此中央美术学院的专业主要以绘画和雕塑的造型方向为主，中央工艺美术学院的专业主要以实用美术和工艺美术的造物方向为主。这两所高等专业美术院校的教学模式在我国一直沿用几十年，并影响着全国各省的专业美术院校［4］。
在半个多世纪的发展过程中，经过几代美术教育家和国家主管部门的不懈努力，改革创新发展，逐步形成了具有规模化、系统化、专业化的高等美术教育体系。首先突破了沿用了几十年的学年制，改为具有合理学习模式的学分制。相对专业美术院校而言，所有课程分为必修课、专业选修课和公共选修课。必修课中包括时政课、文化课、体育课、艺术史论课，专业基础课、专业课。其中专业基础课包括:素描、色彩、速写、构成、创作等。专业课是根据专业方向设置而定，专业美术院校开设的专业方向为:国画人物、国画山水、国画花鸟、油画、壁画、版画、雕塑、水彩、美术学、实验美术等。专业选修课包括各专业方向的表现技法、表现风格、专业理论等课程。专业美术教育的课程设置，总体表明美术教育选择了某种价值取向，并主动探索适合这种价值取向的教学模式，不同的价值取向、性格兴趣及认识的差异，形成了中国美术教育多元化的教育体系。表现在美术教育中，注重美的观念和知识来净化学生的心灵，培养学生美的情操和感受美的能力。美术教育是一种智力活动教育，通过美术教育训练学生的观察能力和空间思维能力。美术教育又是一种技术的训练，通过动手的实地操作活动，培养学生一定的观察描摹和制作能力，以适应未来广泛的求职需要。美术活动最重要的是塑造美的造型，给人以美的感受。美术活动既遵循逻辑思维，更重视反常的、逆向的和发散思维。最适合发挥想象和思维的自由性。因此，美术教育重在培养学生的创造和求新意识，并通过这种创造意识在社会各阶层的实施，更好地促进社会进步与发展。
我国艺术设计教育起步于20世纪80年代初，最初就是从西方和日本引入艺术设计教育理论、教学模式和设计观念开始的。毋庸置疑，我国近现代高校艺术设计教育的产生发展，和近几十年特别是随着改革开放和国门的打开，在相当大的程度上受到西方及日本教育理论及教学实践的影响。西方和日本的各种不同的设计教育思想、教育理论和教育经验不断传入我国。确实，这些都给我们的艺术设计教育带来了方向和推动作用。当时的中央工艺美术学院、广州美术学院等是走在教育改革的前沿。如广州美术学院艺术设计学科建设中的“构成教学”，80年代初对中国艺术设计教学产生极大的影响。当时该校邀请了“香港设计家暨设计教育家代表团”来该校的工艺美术系访问、讲学、开展览会、研讨会。其间，由来自香港理工学院的设计师专家带来了有关设计基础教材和著作，如《平面构成》、《色彩构成》、《立体构成》、《设计运动一百年》等一批教材和参考资料。为此使中国的艺术设计教育界在对外封闭几十年后，对西方150年来的工业设计及设计教育的发展才有初步接触，这使得习惯了以写生变化为代表的基础图案教学的中国年轻一代设计师和教师大开眼界。在最近的20年中，三大构成课程被当作设计教学的典范立即运用到高等艺术院校的艺术设计教学中，构成教学课程一直作为艺术院校的艺术设计基础课程。发展到现在，艺术设计教育事业发展经历了“工艺美术教育到艺术设计教育”的历史沿革。工艺美术教育是以工艺美术行业的技艺传统、生产工艺、创作设计传统，发展成为一条教育主线，而艺术设计教育将是以现代工业生产与传统工艺美术生产中设计活动的艺术内涵、科学内涵与文化内涵的实现为主线。或者说，是以人的创造力的培养为主线。
然而，艺术设计教育与美术教育在课程设置上有功能和性质的差异。经过国家教育主管单位和众多高等艺术院校的艺术家、教育家、理论家多年探索实践和辛勤劳动，艺术设计课程结构更加专业化、规范化、合理化，使建国以来工艺美术教育领域一直严格执行的学年制改为学分制，对传统的工艺美术教学是一个重大的突破。首先是把全部课程分为必修课与选修课两大类。必修课包括:时政课、公共专业基础课、专业设计课、专业实践课、设计史论课、文化课、体育课。其中公共专业基础课程包括:素描、色彩基础、平面构成、立体构成、色彩构成、材料构成、设计表达、写生、摄影、电脑辅助设计等。专业设计课根据专业方向设置来决定。专业设置一般为:产品造型设计、环境艺术设计、视觉艺术设计、染织艺术设计、服装艺术设计、陶瓷艺术设计、装饰艺术设计、展示艺术设计、媒体与影视艺术设计等，专业实践课根据各专业要求到实际设计场所、设计公司、企业或生产厂家，结合不同专业进行实践教学。纵观每个专业的特色成果，都是与人们的生活环境和使用物品紧密联系在一起。选修课包括:美术类的绘画基础、理工科类专业基础知识、艺术概论、设计评价与作品鉴赏等。艺术设计课程设置，在各专业设计课的内容和任务方面、各专业基础课设置与要求方面、加强设计基础理论教学方面有着具体的要求。首先在专业基础课和绘画基础课的关系上，由于艺术设计专业与美术专业有本质的区别，因而绘画基础课应根据设计专业特点需要进行开设，不能等同于美术绘画专业的教学内容和训练方法。其次是专业设计课和社会需求、生产实践的关系上，根据适用、价廉、美观的设计原则，综合运用新材料、新加工工艺和形式美的观念，充分发挥学生的创造性。最后加强艺术设计基础理论培养，在设计概论、设计美学、设计史、人体工程、材料学、工艺学、营销学、设计管理等方面加强教学研究。因此，艺术设计课程设置正是顺应了时展和社会需求的新特点，同时体现了专业教学与素质培养的综合特征。艺术设计课程还将根据社会经济发展和人们生活方式的改变，而继续进行优化课程结构、探索新型课程的尝试。在物质生产和提高生活水平上，更加体现实用与审美的意义。
四、教学方法的差异化
我国艺术设计的教学模式与美术教育教学方法在社会实践应用上有本质的差异化。课程设置长期以来一直由公共必修课、专业基础课、专业设计课、艺术设计理论课、专业实习课、毕业设计课等几方面组成，按照循序渐进的原则，按部就班地依次进步。在教学中大量采用单科独进式的课程编排顺序，各门课程往往相对独立，学生大多都不清楚不理解学习目的，而被动的接受教育，等到课程结束后才明确学习目的。因此学生平时只能凭兴趣被动接受课程内容很难掌握各设计课程之间的关系;各门课程之间缺乏有机的联系，只是把各课程内容简单的叠加，忽视各方面知识的综合积累。现阶段国家教育部门和艺术设计院校经过大量调研摸底，并进行了大胆的改革，实施了新的切合实际的教学模式，确定了解决问题的方式。其中由课堂教学向实训室、工作室、实验室教学转化;由单科独进向多课题并行教学转化;由讲授式向启发、咨询式教学转化;简化课程设置;课程选题注重兴趣性、参与性、研讨性、实践性鼓励学生个性、创造性的发挥;重视对学生作业成果的讲评和总结。此外，还对学生课外研修与设计实践作了具体的规定，要求根据教学进程，对学生布置一定数量的课外必读资料，提高学生的自我学习能力和专业素养。组织学生参加校外和专业教育机构举办的有关大奖赛、展览、演讲、交流等设计实践活动，以检验学生的学习成绩和提高学生设计的实践能力。
在结合社会教学实践内容中，近年来艺术设计教育探讨最多、成果最丰富的应当属课程设计案例教学方式。案例教学方式就是通过全面剖析设计典型案例，从设计选题、调查、定位、到设计实务、生产、销售、使用等全过程的分析，使学生对各环节以及做好每一环节所必需的知识技能和专业素质有一个整体的印象，然后在严格选定的典型课题之上，让学生主动地选择相关课程，最后完成课题的教学模式。此种教学方法大大充实了课堂的实操教学内容，调动了学生设计思维的积极性和求知欲。通过对设计实例的讲解、分析、讨论，让学生了解设计的全过程以及设计思维的内容和方法，这样，有利于学生从课堂中获取系统、全面、实用的知识。有利于拓展课堂教学功能与优化教学内容结构，有助于把握课程教学思维导向，从而调动学生的主动性及参与性，最终使学生获取充实有用的知识。
五、结语
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2艺术设计专业中美术史课程教学的现状及原因
国内各个院校的艺术设计专业中都有开设美术史类的课程，但是目前这类课程所面临的情况却比较尴尬。从20世纪七十年代末开始，中国的工艺美术领域经历了一场深刻的观念变革，被认为匠意浓重的“工艺美术”被“艺术设计”这个新名词代替，这场开始自设计概念争论的变革，继而冲击了工艺美术院校的教学模式。设计学科和与其血缘最近的美术学科表现出逐渐疏离的趋势。艺术设计学科自身发展的需求使得学科名称发生改变，但是这种现象却表明了一种不甘受制于人，力图摆脱传统美术教学的影响的思想潮流在设计学科当中的流行。艺术设计学科是一个年轻的学科，它迫切需要建立独立教学体系的愿望有可能会走向极端———这一切使得同属造型艺术领域的艺术设计与美术之间的距离被人为地扩大。在目前设计专业的课程设置当中，美术对设计的影响基本被降到了最低点，即便在课程改革当中被保留的素描和色彩课也必须在前面加上“设计”二字，以显示设计专业不同于美术专业的教学目标。至于美术史论类课程，目前只有艺术设计学科下设的艺术设计学纯理论方向会把美术史课程作为必修课学习，这实质上反映了美术史教学在设计专业中被边缘化的倾向。长期以来，美术史论类课程总是处于陪衬地位，很多学生对美术史论类课程有偏见，学习兴趣不高。在学习美术史论类课程时，大多数学生都相对被动，学习动力不足，相对于其他专业课上课的时候更容易走神。这种情况对美术史论类课程的教学效果也带来了不好的影响。导致这种现象的形成有很多原因，最主要的有以下几点:
原因一:高校艺术设计专业的美术史论课程师资力量不足。高校美术史论教师的来源主要是本专业的硕士和博士研究生。近几年我国研究生招生规模不断扩大，美术史论专业学生的数量也在不断增长，就业形势整体比较严峻，因此，大多学生都不能进入高等学院从事美术史论教学。同时，有一部分学校虽然有专业的史论课教师，但是却因为艺术设计专业的美术史论课程课时相对较少，教师们为了能够完成规定课时量，常常需要开设多门课程。从艺术概论到美术史再到设计学，以至于只要是理论课就无所不教。这样也就致使他们成了“万金油”，学术方向博而不精。甚至还有些学校让设计教师兼上史论课程，设计教师长期从事实践教学，在史论基础、学术累积相对不足的情况下开讲美术史论课程，其教学效果同样难以让人满意。
原因二:美术史课程目前的教学方法比较陈旧。目前大部分的教师还是按照历史发展的顺序教授美术史课程，讲授的内容让人感觉是在口述历史。艺术设计专业的学生比较擅于形象思维，对视觉上有吸引力的具体物象感兴趣，对于纯理论的美术历史的讲述较易感觉乏味无聊。自然比较容易产生抵触情绪。如果只用美术发展的历史作为课程的主要内容来教授，往往不易调动学生学习的积极性，学生的学习兴致不高、上课无精打采，很难顺利完成教学任务。要解决这些问题首先必须要强化艺术设计专业史论师资队伍的建设。教师的学识水平决定着艺术设计专业发展的水平。艺术设计专业是一个必须重视实践的专业，艺术设计专业需要具有熟练的专业实践能力并能指导学生设计实践的专业技能型教师，同样也需要具备广博的学识，具有较强教学科研能力的史论型教师。艺术设计院系应出于让教师更加专业化的目的，设置专门的史论课程的教师，让他们专门教授几门在专业上关联紧密的课程。也可以从现有教师队伍当中选择有一定史论基础知识并能起学科带头人作用的专业技能型教师，培训他们系统地学习美术史专业理论知识，使教师学有专长，对教授理论课程产生兴趣。教师对于学术上的热情会感染到学生，使学生的学习兴趣也得到提升。不仅如此，在课程结构的设计和教学方法的改革中也要做积极的努力，使美术史教学能够和设计实践更紧密地联系起来。
3用启发性教学方法解决当前美术史教学中的问题
工艺美术史课程关注器物的材质研究，注重器物的制作技术的发展演化的历程，设计史课程和工艺美术史课程相互搭配，让学生在人文科学的大构架之中，认识造物艺术的发展规律和表现出来的人类的造物思维的演化。而人类文明对视觉美感的探究过程以及对其间出现的艺术形式的分析和学习的任务该由哪门课程来承担呢?或许不必担心，大多设计院校的基础课中一般都设置了一些实践操作课———素描、色彩等等，但这些课程都是以技法的演示再加上学生动手体验的形式进行的，没有要求教师为他们所讲授的技法在美术史中对应一个合适的位置，同时逼仄的课时数也是不容许的。很明显，当前没有任何一门课程能够替代美术史的作用，美术史课程的缺失会导致艺术设计专业的学生知识结构上的重大缺陷，使得艺术设计学科的学生无法从美术作品中收获灵感和营养。可见，美术史课程在艺术设计专业中的位置是非常重要的。但是在课堂人数多课时少的现实情境之下，传统的课堂讲授的方法越来越显得落后保守，美术史科目自身所具有的繁复浩大的内容体型，复杂的发展脉络也往往使学生感到枯燥而失去学习的兴趣。要改变这样的现状只有通过启发性教学的方法，从教学理念方式方法的改革，课程结构安排上鼓励学生进行研究探索，激发学生的学习兴趣，启发引导学生在课后进行自主学习。美术史启发性教学要针对艺术设计专业学生的特点进行教学方法与技巧的设计，在选择教学内容时要敢于取舍，在明确教学目标的要求下，选择有助于学生开拓设计思路的知识点进行重点讲授，其他的可以简要介绍，有一些甚至可以根本不涉及。启发性教学的关键就在于使美术史当中的丰富的作品与设计实践相连接起来，在教学中恰当地设计问题，利用问题因势利导地启发学生的思维，深入浅出地讲解内容使学生更易于接受和理解美术史中的深奥规律，发现美术作品的实际作用，研究美术和设计的共通之处，了解美术作品的丰富内涵对设计实践的作用，让美术史课程的实用价值真正被开发出来。
4进行美术史启发性教学的方法
4．1围绕设计专题进行课程内容安排
传统的美术史课程通常以时间、地域为单元进行知识点的罗列，这种讲述方式重点不突出，大量知识的罗列也容易使学生产生厌学情绪，所以在启发性教学当中我们对于课程结构的设计采用打破传统的方式，开设以艺术风格为中心的模块式的专题讲座。模块式的课程设计易使学生感到新鲜有趣，在知识传授方面重点突出，给予学生的印象深刻，有利于学生对知识点的掌握。课程整体安排可以改变以前按时间顺序分段式的美术史授课，注重中西方美术发展过程的对比，将设计和美术史的内容相链接。比如，可以把课程设计为一些专题，例如:中国山水画与设计，传统书法艺术与设计，西方绘画与设计的联系等，或者利用富有个性的标题“动画设计中的巴别塔”、“山水灵性的设计表达”等来激发学生的好奇心。设计专业的美术史教学尤其要重点突出在历史当中发展出的种种艺术风格能够对今天产生什么样的实用价值。因此，利用现代著名的设计案例来引起学生的兴趣是一种很好的方式。例如，新苏州博物馆水榭后那堵极富写意韵味的片石假山的灵感就来源于中国山水画艺术，我们可以以这个景观设计案例作为设计与中国山水画艺术之间的一个连接点，发动学生在上百张的传统山水画中去找寻这段景观造型的原型，这比教师单纯的演示图片更能调动学生的主动参与的积极性。等到他们终于在水墨山水画传统里找到设计师灵感的源流之后，就可以开始介绍中国山水画演变的过程了。当找到最终的谜底“米氏云山”之后，原本让人觉得深奥难解的传统文人画笔墨意趣就有了现实的价值。经过这样的导入铺垫，学生对于水墨和青绿山水画的差异、文人画意趣的争论才会有更多的切实体验。从认知心理学的理论来看，一个人积极自主思考得到的知识，比起他人灌输的知识印象和持久性都要强。在教学活动中用美术作品直接刺激学生的感官，调动他们的兴趣，一定会引导学生主动去思考问题，激发学生的创造力。这样就能同时达到既传播知识又培养了学生的艺术兴趣、提高了学生艺术鉴赏力的多重目的。这样的课堂效果是很显著的，使得每位设计专业的学生、特别是环境艺术专业的学生马上就会体悟到，在从事空间造型艺术的过程中从中国传统山水画艺术中汲取营养的重要性。
4．2发现美术和设计的相通之处
设计学院的美术史课程必须紧密联系设计实践，教师要努力让课程的内容能为学生以后的设计工作提供有价值的审美经验。这是追求实用审美统一的设计学科的本质要求，同时也是改革高等教育模式的时代要求。教师要让学生在对美术作品的欣赏分析的同时体会美术和设计的相通之处，这样的教学才能帮助学生在设计实践中实现审美与实用的统一。2008年北京奥运会会徽的设计过程几乎就是中国书法艺术与当代设计艺术的磨合过程，它的造型设计取自于中国传统书法篆刻，它的造型与色调体现着汉字所显现出来的民族气韵，它的创意对于学习设计的学生来说也是很好的可供借鉴的经验。在讲述中国印章和书法的历史时可以由这个设计实例展开，在有如此优秀的设计作品的提示下，学生会对具有数千年历史的书法艺术产生一种亲切的感觉，在教师的引导下他们会发现这种中国特有的艺术类型所蕴含的形式审美经验与现代设计有着相通之处，在文化含义的层面的是单纯的字体设计课无法相比的。
4．3在艺术作品之中探索美术与设计的文化内涵
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我国历史文化渊源流长、博大精深，在不断地探索与实践中涌现出了现代美术设计教育，是中华民族优秀历史文化不可或缺的一部分。传统工艺美术在一定程度上为现代美术设计教育提供了一定的借鉴性意义，现代美术设计教育要想积极走向世界、走向全球，就必须要加强与传统工艺美术的融合，立足现实，不断推陈出新、革故鼎新，要适度进行保留与创新，进而构建全新的现代艺术设计教育体系。
1传统工艺美术与现代美术设计教育之间的关系分析
对于任何美术设计来说，其作品都包含着时代、地域所特有的文化特质和精神内涵等，是在一定历史背景和时代发展下的成果，是不同时期社会风向和精神需求的代表。因此，基于发展的视角来分析，现代美术设计随着时代的发展变化而变化，其精髓部分已经成为了传统工艺美术的重要构成内容。同时，基于历史性的视角来分析，现代美术设计具有着明显的现代化特征，是传统工艺美术的外在表现形式之一，二者之间联系非常紧密。在传统工艺美术中，比较杰出的作品是东汉时期的地动仪和八蟾蜍等，对现代美术设计教育的启发性比较强，顺应现代社会大众的审美需求。
2传统工艺美术对现代美术设计教育的影响分析
对思想文化的影响
中华民族传统工艺美术中的思想文化是基于中华历史文化而逐步形成的，不同时期的思想文化和民族经济的发展联系比较紧密，其思想贯穿于民族发展的方方面面，进而形成最独一无二的民族文化。在中国传统文化中，儒家、道家思想教育比较根深蒂固，绝大多数艺术作品融合儒道两家的审美思想，进一步彰显了人与自然和谐共处的思想观念，使人、社会以及自然成为了协调统一的有机整体[2]。
对传统工艺美术造型的影响
传统工艺美术造型类型众多，形式多样，不同形式的含义较不相同，也为现代美术设计提供了实用性较强的材料，单一字符和复杂图像在现代美术设计中得到了充分地体现。而且在工厂化的生产中，也出现了诸多的包含古典元素的产品。比如：传统工艺技术的木雕造型的吸引力比较大，在背景墙和玄关等部位得到了广泛的应用，古典艺术气息非常浓厚。此外，符号性传统造型在现代美术工艺设计中使用的次数也比较多，比如在我国奥运会上传统工艺美术中的符号就是重要的代表和象征，形式多样的徽标是众多体育项目的展现，方便人们的理解，更加表现处理项目的类型和特征，进而使中华民族传统工艺美术文化的神秘感越来越明显。因此，在现代美术设计教育中，要注重发挥出传统造型的想象力和吸引力。
对传统工艺美术技艺的影响
在中国传统工艺美术中，作品的制作过程要具备高度的美感。然而在现代社会不断发展过程中，越来越多的人会注重结果带来的效益，缺少对制作中间过程的高度重视，甚至还缩减了中间技艺的一些关键环节，难以将传统工艺美术的技巧彰显到极致。因此，我们要充分认识到任何工艺技术都是循序渐进的一个累积过程，要重视技艺的根源，多多进行学习与开发，保证设计作品能够最大程度地符合人们的精神需求。在现代美术设计教育中，要在传统工艺美术技巧上有所启发，以便于学习者更好地对传统工艺技巧进行创新与研发。
3结束语
综上所述，传统工艺美术对现代美术设计教育的影响不容忽视，可以为现代美术设计教育开辟出全新的领域，彰显中华民族传统文化的魅力。
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简笔画的另一个优越性在于它能够很好地促进学生想象能力的构建。想象力的具备是小学美术课程的教学中一个非常重要的教学要点，想象能力也是学生能够更好地进行作品创作的基础与源泉。简笔画能够很好地为学生营造想象力的土壤，这很大程度在于简笔画十分抽象、十分灵活，能够给学生留下很大的想象空间。教师应当在课堂上更多的借助简笔画来培养学生的想象能力，这对于提升学生的美术素养以及创造能力都很有帮助。《弯弯的小路》是很有意思的一节教学内容。这节课程的教学目标在于要让学生了解物体近大远小的透视规律，并且让大家在学完本节知识后能够运用透视的方法画一条符合透视规律的小路。此外，在理解透视规律的基础上要让学生学会欣赏并评价美术作品，通过画路来提高描绘写生的技能，逐步发展学生的观察力、表现力和创造力。教学中的重点在于通过对周围环境的观察，让学生发现近大远小的透视现象，并掌握简单的原理和规律。同时，要让学生将透视知识应用于绘画中，使描绘的物象更真实。在给学生呈现了各式不一样的“弯弯的小路”后，学生不仅对于透视规律有了很直观的感受，各式各样的小路也在他们的脑海中逐渐冒出。为了培养与锻炼学生的想象能力，我会让大家通过简笔画的形式将他们头脑中的小路表达出来，这不仅是对于学生知识掌握程度的一种检验，也能够为他们的想象力与创造力提供土壤，让他们的创作水平得到发展与提升。
二、简笔画能够活跃课堂教学气氛
简笔画的在活跃课堂教学气氛上也能够起到很好的作用。例如，在学习《奇妙的点彩画》时，教学过程中要让学生通过初步接触点彩画，知道点彩的绘画特点及简单技巧，并用点彩法创作一幅画。同时，通过思考、比较、欣赏与讨论，要使学生感知点彩画的画面效果，了解点彩画的原理。此外，通过学习活动，要引导学生富有创意地学习运用各种绘画手段，丰富学生的想象力，激发其对美好事物的表现以及创造的欲望。点彩是新印象主义以色彩分割原理为依据所采用的一种绘画表现形式，又被称为“点彩法”。其主要是利用不同的纯色点和块并列在一起形成的画面。课本中展示了法国新印象主义画家保罗•西涅克的作品《纳蒂布港》和修拉的《大碗岛的塞纳河之春》，目的是让学生了解点彩画的主要特征，提高研究点彩画的兴趣。学生对于这种由大片的鲜亮的色块所构成的艺术作品都非常喜欢，为了活跃课堂气氛，我会借助简笔画的形式让这些作品得以重现。简笔画往往是没有颜色的，只是借助简单的线条勾勒出物体的大致形态。当大家看到我将那些浓重的色块以完全不一样的形式呈现出来时，学生不仅觉得非常惊奇，也觉得非常震撼。大家在课堂上都非常投入，对于美术乃至艺术的体味与思考也在一点点加深。
三、结语
简笔画对于辅助小学美术课程的教学很有帮助。首先，简笔画能够易于教学知识点的呈现，其次，简笔画能够极大地培养与丰富学生的想象力与创造力。此外，简笔画还能够很好地活跃课堂教学气氛。简笔画的应用对于小学美术课堂教学是一种很好的推动。
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一、加强小学美术教学质量的措施分析
教育体制改革的目的就是更加重视并促进学生的全面发展。目前，小学美术教育存在不少问题，教学内容枯燥，教学方法、教学手段单一，教学秩序混乱等。美术作为一门美育的特殊学科，其内容的丰富性、教学方式的趣味性和有效性等将直接影响到教学质量。因此，小学美术教师要跟上时代发展的脚步，树立现代化教学理念，采用各种手段帮助学生学好美术课。为了加强小学美术教学质量，应采取如下具体措施：
（一）提高教师自身的素质。
发挥主导作用师资力量是保证教学质量的前提，目前很多小学在美术方面的教师资源力量还比较薄弱，专业水平也不高，有的美术老师还是语数英老师兼任的。此外，教师的自身素质也会对教学质量产生极大的影响。在倡导自主学习的新课标改革的要求下，美术老师必须不断加强自身素质，改进教学方法。因此，小学美术教师首先要转变教学观念，树立现代素质教育理念。其次要加强自身专业水平。
学生由于年龄和知识水平的限制，还不能完全理解教材插图的造型与艺术表现背后的含义，对美术作品的内涵、艺术风格等也没有掌握，达不到审美的要求。因此，美术老师必须加强自身素质，不仅仅要具备美术专业知识，还要善于将自己对美术的见解与经验，以积极的情感体验为基础，用学生喜闻乐见并积极主动参与的形式，提高自身美术教学水平。
（二）利用多样化教学手段。
综合使用讲授、游戏、讨论、演示等教学方法，采取合作互助的方式，让学生积极开展自主学习、合作交流，学会自己判断美丑、感悟绘画作品的内涵，并进行自己的绘画构思。使用正确的教学方法才能有效地丰富课堂，加强小学美术教学的质量。
（三）注重学生的兴趣培养。
培养审美意识兴趣是最好的老师，兴趣是最强的动力。小学生的思维跳跃非常快，总是乐于对自己感兴趣的事物展开一些思考和研究。因此，美术教学要注意开发学生的兴趣资源，吸引学生主动去认识美，发现美，集中注意力在美术课堂上，学习效率必将有所提高，从而教学质量也得到了保证。
探究性、综合性美术写生活动的开展就是培养学生兴趣的一种手段。让学生走出课堂，走进自然，从具有不同形态、结构、比例和色彩等的世间万物中挖掘自己感兴趣的，有特别感悟的绘画素材，不但能拓展学生的课外知识，开拓视野，还能培养学生的审美意识，通过亲身体验，从教材、从周边的人事物中发现美、领悟美，享受美术学习的快乐。
（四）实现多样化教学评价。
启发审美创造不同的人对事物的欣赏角度不同，发现的美也不同，因此，对小学生美术课的评价不应该限定在分值上，教师必须多角度全方位的评价学生的学习成果。
从实际从发，针对小学生的不同性格特征和不同感悟能力，制定出层次分明的适合不同程度学生的学习任务和学习目标；教师要站在与学生平等的角度，在尊重学生的艺术欣赏的同时给予客观指导，善于发现学生身上的闪光点。从构图或调色能力，从临摹相似度或创新性等多方面引导学生自由发挥，展开丰富的想象，培养学生的观察能力，锻炼学生的艺术表现力和审美创造力。
二、结束语
为了加强教学质量，作为小学生美育的启蒙者，美术教师要改变教育观念，不断改进教学手段，培养学生的艺术欣赏和审美创造能力；规范美术课堂，不断创新欣赏教学绘画的方法，让学生不仅学会欣赏美，还要学会创造美，更要学会感悟美，培养学生的健康人格和审美情操，促进学生全面发展。这才是最高教学目标，这才是教学质量得以提高的表现。
美术论文格式模板范文 第21篇
通过数周对中国工艺美术史学习，不得不惊叹中国这个文明古国所缔造辉煌灿烂文明和艺术，同时我也在思考着一个问题———为什么如此久远早已沉寂古典文艺在今天这个工业化信息化时代仍能感染着我们？我想这是因为中国工艺美术无论是在理论上还是在制造出工艺品上都渗透着中国博大精深文化于其中，迎合了中华民族子孙审美情趣，让我们感觉这种美是一种亲切和谐文化。工艺美术这个词，就具有悠久技艺传统，富有地方和民族特色，反映中国古典文化精神传统工艺美术，其主要门类有烧造、煅冶、染织、编扎、雕刻、木工、髹饰工艺等等。
中国，这个古老文明古国已在华夏大地上有了五千多年历史，她缔造了我国文明，我国工艺史实，中华民族概莫能外。谁也无法否认：在我国历史上，无论是文献记载还是传世，亦或是考古出土文物，均证明我国古代在工艺美术方面不仅形成了丰富理论体系。而且创造出了许多精湛艺术品，在博大精深中华文明发展史上占有不可忽视地位。 中国工艺美术历史呈现着两条清晰发展脉络：以实用为主体民间工艺美术和以观赏为主体宫廷及文人士大夫工艺美术体系。它们作为在不同社会环境和条件下生长发展起来，代表不同阶级利益两种工艺文化形态，有着不同生产方式，组织结构，功用目和美学特征。
民间工艺美术主要是自然经济家庭手工业，生产目主要是为了满足生产者自身需要。生产与消费统一，使民间工艺美术产品完满地体现了实用，审美一体基本原则，具有朴质，刚健，明快品质。宫廷及文人士大夫工艺产生于官营或私营手工业作坊之中，迎合贵族和文人阶层需要和趣味，因而侧重于显示观念意蕴和追求观赏把玩价值，推崇精雕细刻，矫饰奇巧。生产官营化是中国传统工艺美术重要现象。
早在西周就出现了隶属于王家官府百工汉王朝则在周秦官制基础上设立了属于少将府各种工艺美术作坊和工厂，唐宋时期少府监显示了官营手工业制度完备和周详，明代御用监，清代造办处和织造局使官营手工业制度更为系统和严格。官营手工业机构大都设在中心城市或皇宫，材料无偿占有，工匠无偿劳役，生产不计成本，产品不参加商品流通。在这种封闭经济结构中产生了追巧夺末，争奇斗艳宫廷工艺美术，它作为反映统治阶级精神需要理想样式，影响和规范着封建时期中国传统工艺美术。
我国工艺美术其成就主要体现在：陶瓷工艺美术、青铜器工艺美术、玉器工艺美术、家具工艺美术、建筑工艺美术、金银器工艺美术、中国古代染织品工艺美术、雕塑工艺美术等方面。其中在建筑工艺美术方面有着非凡成就。 建筑发展，实质上是一种文化艺术发展。历史学家曾经把文化归纳为理论、宗教和科学三种类型，从我国古代建筑发展历史来看，这三种类型均存在，而且在这三种类型中，往往与艺术紧密地结合在一起，甚至可以说艺术是体现其特征最重要方面。在我国建筑史上虽然 决定起艺术性因素甚多，但是，与其他艺术形态一样，造型和装饰设计仍然是首要。
中国古代建筑发展与演变： 人类学家研究表明：在人类早年，我们祖先是不会建造房屋，那时人类居住在洞穴内，或在树上构木为巢。房屋出现至少是在农业出现以后。目前考古发现房屋遗迹是在新石器时代，迄今发现最早房屋建筑遗址有河南新郑裴李岗遗址等。也是从那个时期以后中国古代建筑经历了一个漫长反站历程，逐步接近顶峰。
中国传统文化观念崇尚形而上之道而贬抑形而下之器因此，以功用为目工艺美术一直被视为雕虫小技而属抑末之列。这种偏见显然抑制了理论方面建设，致使中国工艺美术缺乏完备系统理论著述。但是，中国工艺美术一直是按照自身思想和原则发展。其个性化面貌无疑取决于中国工艺思想和造物原则倾向性和独创性。很少见诸文字中国工艺思想和造物原则强调工艺造物社会价值和社会功用，追求心灵与物质交融统一，主张自然性与人工性中庸和谐，注重工艺造物活动整体有机性，力求协调天时，地理，材质，技术诸因素间关系。
美术论文格式模板范文 第22篇
一、挖掘乡土资源，构建美术课程体系
我们这个地方有很多螃蟹养殖场，在教学动物画的时候，我们以《可爱的螃蟹》为绘画主题。在绘画之前，首先组织幼儿参观螃蟹养殖场，引导幼儿了解螃蟹的生长环境、生活习性等。参观回来后，幼儿的创作热情都很高，画出了养殖场“池塘多螃蟹多”的热闹景象。有的还把螃蟹争食的神态勾画得淋漓尽致。每个幼儿画完后都饶有兴致地介绍起自己的作品来。幼儿的好奇心、表现欲得到了极大的满足。此外，我们还把蟹壳都收集起来，用彩纸、画笔、剪刀、固体胶等进行“蟹壳装饰”。在幼儿的巧手下，《看门的小狗》《奥特曼打怪兽》《长在蟹壳上的向日葵》等手工作品纷纷诞生了。可见，通过《可爱的螃蟹》主题绘画活动，学生不仅掌握了绘画技巧，提高了动手的能力，还培养了孩子热爱家乡的情感。
二、整合乡土资源，促进教师专业成长
在幼儿园美术活动开展的过程中，积极主动地引进乡土资源，并对其予以整合是促进幼儿园教师专业化成长的一个很好的平台。我园根据当地农村的实际，结合主题活动目标和幼儿的年龄特点，选择有特色且幼儿感兴趣的乡土资源作为美术课程补充内容，渗透于教育活动中。比如，我们开发的小班乡土资源课程内容有：我喜欢的狗尾草、蚂蚱与蚂蚁、美丽的树叶、秋天的田野、大西瓜、蒲公英飞起来了、大大小小的石头、小蝌蚪等。中班乡土资源课程内容有：晶莹的露珠、好玩的泥土、秋天的叶子、有趣的蚯蚓、芋艿番薯土豆三兄弟、参观服装厂、可爱的螃蟹、清明的团子等。大班乡土资源课程内容有：多变的云、丰收的季节、奇怪的根、甜甜的葡萄、野菜真香、蚕豆与油菜、可爱的蚕宝宝、青蛙的一生、水上的船、神奇的电动车等。乡土资源的利用是提升教师专业化能力的有效途径。教师是课程与幼儿之间的桥梁，是幼儿成长的促进者，教师的专业成长与幼儿的成长速度和方向是一致的。在“乡土资源”利用过程中，要求教师具有与之相匹配的教育能力。如观察分析孩子行为的能力，调整预设主题的能力，回应幼儿生成活动的能力，统整和提升幼儿经验的能力，支持幼儿表征的能力，评价幼儿发展水平的能力，等等。在实践过程中，极大激发了教师的自主性和创造性，促使教师专业化水平的不断提高。
三、创新乡土资源，力促家园合作
幼儿园的美术活动是一个开放的系统，在幼儿园挖掘、整合乡土资源的实践中，要不断的补充与完善，最终达到对乡土资源的创新。在此过程中，幼儿的家长是一个“用之不尽、取之不竭”的宝库。首先，汲取家长的美术素材。家长是幼儿的第一任教师，对于幼儿美术素养的形成具有不可替代的作用。在家长生活的空间里，具有丰富的乡土资源的积累，幼儿园就可以充分利用家长所掌握的丰富的乡土资源，加强与之合作，使之能够将自己所熟知的与美术相关的乡土资源带到幼儿园，从而丰富幼儿园的美术内容和形式。其次，鼓励家长参与美术活动。幼儿美术素养的提升离不开教师对乡土资源的取舍与创新，更离不开家长的积极参与。因此，以美术活动的开展为出发点，邀请家长参与到幼儿的美术实践活动中来，与孩子们一起寻找美术素材、一起培养美术情趣，一起展开美术创作，不但可以提高幼儿美术实践活动的价值，还搭建起家园合作的平台。比如，在开展《甜甜的葡萄》主题活动时，班里一个孩子的爷爷把我们邀请到他的葡萄园，为我们讲解葡萄的生长过程：育苗—搭架—治虫—包果—采摘。爷爷把这一系列的过程结合自己的亲身体验，编成一个个小故事来讲述。幼儿在听完故事后，都纷纷把自己听到、想到的用一幅幅图画生动地表现出来。在家长的配合下，我园开展了一系列的美术活动，促进了幼儿美术能力的提高。在幼儿美术活动的实践中，我们应该利用一切可以利用的乡土资源因素，灵活地予以继承与创新，尽最大努力拓展幼儿美术学习活动的空间，使幼儿在贴近大自然、走进社会的实践中汲取美术活动的素材，从而为塑造幼儿健全的人格打下坚实的基础。
第二篇
一、幼儿美术教育中创造力的特点
幼儿的创造是天真活泼的、可爱的，是一种重视过程的创造，幼儿教师要根据幼儿创造力的特点有效开展教育活动来培养幼儿的创造力。《幼儿园教育指导纲要》指出：“提供自由表现的机会，鼓励创造性美术活动，鼓励幼儿用不同艺术形式大胆地表达自己的情感、理解和想象，尊重每个幼儿的想法和创造，肯定和接纳他们独特的审美感受和表现方式，分享他们创造的快乐。”然而现阶段的美术教育活动对幼儿创造力的培养难以达到理想效果，这就需要对现阶段的幼儿美术教育活动提出新的要求。传统的幼儿美术教育活动要求幼儿把教师的示范画画到惟妙惟肖，越像越好，追求全体幼儿绘画成果的一致性、统一化，认为幼儿直观性的绘画成果是体现教学结果的最有效的表现形式。针对这一现象，笔者认为需要对幼儿教师定期进行教育培训，改变她们传统的教育思想，给她们注入新鲜、具有创意的教育思想，只有在有创造力的教师的引导下才能培养出具有创造力的孩子。
二、幼儿创造性美术教育活动的指导
活动前进行充分准备是美术教育活动能够顺利开展的必要前提，需要从几个方面进行活动前的准备：首先，良好审美环境的创设是必要的，幼儿在富有创造力的环境中自由想象。幼儿无论在园还是在家都是其主动学习的良好场所，教师和幼儿家长要积极为幼儿提供各种有意义的体验机会。其次，在生活中积累素材是幼儿进行创作的基础。给幼儿提供一些优秀的卡通素材，可以给幼儿带来视觉冲击，提高创作灵感。教师在幼儿学习新东西之前要先呈现一种材料，它是认知结构中原有的观念与新知识的桥梁，在这种前后关联的美术学习氛围中，幼儿的抽象思维才会有坚实的基础，才能进行更好的美术创作。由此，发挥幼儿创造力的美术活动便会顺其自然地展开了。活动中，教师选择的新颖的活动主题也是幼儿创造性美术活动不可或缺的条件。内容的选择让美术活动更加广延丰富，材料的挖掘让一切皆可美术，方法的创新让美术更加童趣盎然，形式的尝试让孩子的心灵自由放歌。
（1）内容选择创意———让美术不再孤独。内容是创意的源泉。幼儿园在美术教育内容的选择上，应顺应儿童的发展规律，源于社会生活，融入本土文化，将幼儿的情感、思维、想象和创造元素融入到美术教育中，让美术活动成为丰富幼儿感知的一个出口。如在大班美术“我喜欢的聊斋人物”中，个性鲜明的聊斋人物给孩子们留下深刻的印象，让幼儿表达自己对人物的认识和喜爱的情感，感受独具东方魅力的水墨画艺术。
（2）造型材料创意———让一切皆能美术。美术材料是幼儿发挥想象、探索实物、尽情创意的载体。生活中废旧的鞋子、衣服，纸箱，自然界中的树枝、树叶，餐桌上的蔬菜、水果……所有的这些东西在孩子眼中都可以成为美术创造的造型材料。就如在蔬果拓印的《牡丹图》中，教师可以变戏法似的用卷心菜的菜根作画，拓印出一朵朵美丽的牡丹，孩子们带着欣喜和惊奇跃跃欲试，完成的效果令人惊叹。当然，在开展美术创造活动时提供充足的材料是必不可少的，材料单一和数量少都很难满足幼儿的多样化需求。在“美丽的花瓶”这一美术教育活动中，教师就应该给幼儿提供可塑造“美丽”的多样材料。可以提供各种各样瓶子、彩纸、透明彩带、彩布、丝带、彩色毛线、细绳子等多种材料。当幼儿看到五彩缤纷的材料时就已经为本节活动课的顺利开展营造了良好的氛围，并且幼儿可以根据自己的爱好和审美情趣来选择不同的材料进行创作。
（3）教学方法创意———让美术童趣盎然。在美术教育活动的开展中，有效方法的运用是达成教学目标、激发幼儿创意灵感、引导幼儿大胆想象的重要手段。因此，在开展创意美术教学活动中，教师应从幼儿的兴趣和需要出发，通过创设富有情趣的情境、巧妙地教授技能、适时地慧心指导、有效地进行作品评价，引领幼儿大胆创造，让幼儿稚趣的童年在美术创意中尽显盎然生机。例如，“云朵面包”一课就围绕“做面包”这一游戏情境来设计，幼儿在活动中就是学做面包、想吃面包的“小猫”，教师就是带领幼儿制作面包的“猫妈妈”。
三、幼儿美术教育是幼儿园教育活动的重要表现形式
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在教学中利用校本教材，让学生知道家乡农民画的风格，农民画的技法，农民画那大胆夸张变形的特点，大红大绿的着色，画面鲜艳、明丽、丰满，给人以安详、平静、轻松的美感，具有现代气息、民间风味、乡土人情、装饰性融为一体的画面深深地吸引了学生，激发了他们的学习兴趣和创作欲望，这就促使了学生主动参与意识的形成。
二、利用地域特点进行美术教学
教师充分利用地域课程资源，结合学校实际的地域特点，依据一定的教学目标对地域资源进行挖掘、整理并组织成教学内容。教学中教师尽量发掘和利用贴近学生生活的地域素材，从地域资源中挖掘出丰富的教学内容。在特色教材《美丽的家乡》一课的教学中，我让学生用农民画和版画结合的方式表现建筑风格，创作出一幅幅具有当地特色的、带着浓厚乡土气息的作品。这种方式不仅培养了学生良好的观察习惯和观察能力，发展了他们的想象力和创造力，提高了用美术表达自己感受的能力，同时也让学生在活动中增强了爱家乡意识。教学中我充分利用木屑这一有效资源，教学生进行粘贴画的创作，引起了学生的极大兴趣，调动了学生的内在体验，收到了很好的艺术效果。另外在《多彩的花边》一课，我让学生用废旧报纸、包装纸等剪花边装饰生活用品。为了提升学生的学习兴趣，我找了很多当地资源图片进行欣赏；为了让学生获取最初级的设计体验，真正感受到艺术美化生活，课前，我将画纸剪成生活中常见的日用品，请学生来做一做小设计师，选择自己喜欢的日用品进行装饰设计。结果显示这一活动是最经济实惠的，它不仅内化了学生的各种收获，还较为成功地使之外化，学生由始至终处于积极参与的状态，他们的心情一直沉浸于快乐和兴奋的愉悦之中，有效地为学生的美术素养、审美经验和艺术表象的储备提供了一个有利的发展空间，稳步提升了他们的设计意识。
三、利用当地民俗进行美术教学
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（一）高校盲目扩招
当前，随着社会主义现代化建设的不断深入，高考扩招成了一大趋势。社会的发展需要高素质、高能力的人才，艺术设计人才也一样。通过对相关数据资料进行分析可知，近20年来，我国某美术高校的招生人数一直在不断扩大，已增加了将近30倍。高校扩招会促使艺术设计毕业生的数量大幅增长，为社会提供了更多艺术设计方面的人才。但倘若高校不结合社会供需的实际情况进行盲目扩招，就会导致大量问题的出现。比如，为了获得更多的经济利益，某高校进行了扩招，但由于缺乏专业的师资队伍、完善的教学设备，该高校的教学质量出现了严重下降，学生无法获得优质的教育。
（二）教学方式方法方面的问题
通过对我国高校艺术设计教育的现状进行分析可知，现代教育中存在着很多不足，是阻碍艺术设计教育工作取得进展的因素。现行教学大纲中的套话较多，学生在课堂上所学的知识缺乏现实实践性和可操作性，仅仅是烂熟于心的纸上谈兵。另外，学校提供给学生的思考空间以及实践机会也十分有限。究其原因，在于我国当前的高校美术及艺术设计教育体制存在着诸多问题，即教学内容空泛、教学目标模糊、教学手段落后以及课程安排不合理。另外，在许多高校，美术及艺术设计专业的教师大多只注重学生的技巧培训，而不重视对学生的实践指导。还有一部分教师不致力于做学问，不及时对自身的教学方法以及教学内容进行革新，过度追逐名利。在这样的情况下，我国高校艺术设计教育工作就会面临诸多问题，遇到教学瓶颈。
二、发展我国高校艺术设计教育的相关措施
（一）课程设置要连贯
（二）转变教学观念
随着时代的进步以及经济的发展，具有良好的思想道德以及广阔知识面的综合型人才广受社会各界的欢迎。因此，高校艺术设计专业需转变教学观念，结合不同专业的基础教学和专业课程，对学生的艺术潜质以及审美能力进行培养，使学生的创新能力、艺术品位得到大力提升，并引导学生将所学知识和实践充分结合起来。另外，学校还需对当前社会的实际需求进行深入分析，及时调整教学目标及专业课程安排，针对学生的兴趣爱好及特长进行个性化的培养，并为他们制定科学合理的学习计划，真正做到因材施教。相信依靠这种方法，艺术设计专业学生的综合素质以及美术技能才能得到有效提升，高校才能为社会培养出更多优秀的美术人才。
（三）培养学生的创新思维
艺术要取得持久的进步和发展，就必须要创新，而创新需要我们有+扎实的美术基本功和创新能力。对于高校美术及艺术设计专业的学生而言，创新性就是指学生在学习过程中对不同的艺术元素进行想象和组合，通过再创造所呈现出来的新的、合理的、完整的形象。对此，在上专业写生等具体课程时，教师应允许学生在具备了一定的功底之后，适当地在作品中表达自己的观点，发挥想象，并将其作为考察的一部分。具体的创新内容既可以是空间上的创新，也可以是构图上的创新。此外，教师要合理把控学生的想象，避免他们走弯路或不切实际的创作，对他们的创造性思维及时予以肯定并指出其存在的问题，提高其创新的水平。
（四）完善教学内容
美术院校需结合实际对课程内容进行拓宽，即将学生文化素质的提升作为教学的重点，提供给学生更多与外界接触的机会。通过学习其他课程或办讲座，学生与社会之间的联系就会得到深化，他们的专业技能以及文化素养便会随之得到提升。另外，教学内容的设置需具有针对性，即要将学生创新能力的培养作为教学重点，引导学生对艺术设计的文化内涵进行深入探索，变之前的被动学习为主动学习。技巧、技法只是帮助学生完成绘画或设计的工具，艺术设计学习的真正核心应是提升学生的文化素养以及创新能力。只有不断完善教学内容，才能帮助学生获得全面发展，进而为社会培养出更优秀的综合型艺术人才。最后，高校艺术设计教育需结合自身实际以及社会发展的需要，引导学生树立正确科学的艺术观。
三、结语
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一、幼儿美术教育的现状
美术教育是文化素质教育的重要内容，可以带给人美的感受，就幼儿美术教育来说，其可以培养幼儿的想象力和创造力，培养幼儿的审美水平，并能够拓宽孩子的视野。近年来，随着素质教育理念的不断深化，越来越多的家长开始关注美术教育对幼儿发展的重要性，但是在实际的教学中，受升学压力的影响，很少有学校会将教学重点放在美术教学上，这就导致幼儿美术教育的教学方法、教学内容陈旧滞后，无法适应幼儿的身心发展需要。对于幼儿美术教学来说尤其应该注意培养幼儿的创造性思维，对幼儿在学习中出现的各类行为，教师都应该本着多赞美少批评的原则，以积极引导孩子发现生活中的美，而不是以严格的绘画理论知识来要求孩子。为此，当今的幼儿美术教育要想取得理想的教育效果还需要学校与家庭之间的相互配合，以不断改善美术教学氛围，为幼儿各方面素质的全面发展奠定基础。
二、创造性思维对幼儿美术教育的促进作用
首先，创造性思维有助于提高幼儿的想象力和创造力。在幼儿美术教学中应用创造性思维可以帮助幼儿培养想象力和创造力，创造性思维在幼儿美术教育中的应用主要体现在培养幼儿的创造力上，想象力是创造力的前提，在美术教学中教师可以通过选择有助于培养幼儿想象力的场景开展教学，以吸引幼儿的学习兴趣，丰富幼儿的想象力。其次，创造性思维可以提高幼儿学习的积极性和主动性。幼儿美术教师要想提高美术教学成效，吸引幼儿的学习兴趣，就必须了解幼儿的身心特点，摒弃枯燥的教学方法，注意将创造性思维应用在课堂教学中，以激发幼儿对自己的生活环境产生更多的兴趣，进而不断培养幼儿发现美和鉴赏美的能力，促进幼儿各方面素质的全面发展。最后，创造性思维可以丰富幼儿的情感世界。幼儿时期的各种行为大都是以情感为导向的，将创造性思维应用在幼儿美术教学中，可以最大程度的激发幼儿的情感，加深幼儿的审美体验，丰富幼儿的情感世界。为此，在教学中教师应该将幼儿视作完整的具有独立人格的人，关注幼儿的情感发展，并对其进行正确的引导，促进幼儿的健康成长。
三、幼儿美术教育中创造性思维的应用
首先，幼儿美术教师必须创新美术教学理念和教学模式。在新形势下，幼儿美术教师必须重新审视自己的教学理念和教学方法，要尊重幼儿的主体地位，不要对幼儿的思想行为进行过多的干涉，允许并鼓励幼儿发挥自己的想象力，并不断培养他们自己解决问题的能力，避免幼儿在教学中为幼儿设定固定的绘画模式，影响幼儿想象力和创造力的发展。幼儿美术教师在向幼儿讲授基本的绘画技法的同时，必须尊重幼儿的身心发展特点，尊重他们的创作，以激发幼儿的想象力和创造力。其次，幼儿园应需要不断完善自身的美术教学体制。美术本身是幼儿思想表达的重要方式，为此，在幼儿美术教学中，教师应该引导幼儿用色彩、笔触表达自己的思想感情，鼓励他们自由创作，勇敢的表达情感，避免让幼儿在课堂上对固定的事物长期描摹，这样的教学方式不仅会降低幼儿的学习兴趣，而且可能限制幼儿的想象和思维空间。对幼儿园来说，应该不断完善自己的美术教学机制，为幼儿教师和幼儿提供更多的美术材料，为幼儿的美术学习提供更多的选择，以不断培养幼儿的创造性思维。再次，幼儿美术教育还应该注意营造创造性思维的学习氛围。学习氛围会给幼儿的美术学习产生潜移默化的影响，为了提高幼儿的创造力和想象力，教师尤其应该注意培养幼儿的观察力和主动性，但是受幼儿年龄特点的限制，他们对事物的观察能力是有限的直接的，为此，幼儿美术教师应该为幼儿的美术学习提供充足的美术材料，以引导幼儿去更好的观察，对于幼儿的好奇心教师也应该对其加以保护，为幼儿提供更多的想象空间。当然美术材料的选择也应该注意贴近幼儿的实际生活，注意不要用成人的观念去判断幼儿的思想，为幼儿的美术学习提供一个轻松自由的学习氛围，让他们能够自由借助绘画来表达自己的情感。
四、结语
创造性思维在幼儿美术教育中发挥着重要影响，教师在教学中可以通过创新教学理念和教学方式，将创造性思维引入幼儿美术教学中，引导幼儿思考，激发幼儿的美术学习兴趣，培养幼儿的创造力和想象力，促进幼儿各方面素质的全面发展。
美术论文格式模板范文 第26篇
关键词：水彩画；特色；造型；形象；风格；色彩
水彩画是西方绘画品种的重要一种，传入我国以后，已成为我国画坛中的一朵奇葩。分析、研究、把握水彩画的艺术特色，无论是对于水彩画的创作与学习，也无论是在理论启示上还是在艺术实践上，不仅大有裨益，而且十分必要。为此本文试就水彩画的艺术特色这一重要艺术命题发表几点肤浅之见，以与同行共同讨论、共同切磋、共同提高。
具体而言，水彩画的艺术特色可分为以下四大层面予以解读—
a．造型的集中性
水彩画同中外所有的绘画艺术一样，都是造型艺术，这是毫无疑义的。但是水彩画更加强调造型的集中性，这种集中性，又具体通过以下几大手法来体现：
其一是以平面显立体。水彩画同所有的绘画一样，都是平面（二维空间）造型艺术，但它并不是孤立呆板、单调僵化的平面艺术，而是以平面显立体的艺术，即以二维空间表现三维空间的艺术。绘画作品只有长与宽，而没有高，只能从正面通过视角进行观赏。这的确是绘画艺术之短，但作为水彩画，却可以扬长避短，甚至以短见长，即通过观赏者的第一视觉印象的联想与想像，获得最大的艺术信息量，创造出一个更为广阔的立体空间，获得审美的极致。
其二是以瞬间显永恒。水彩画选取的是瞬间的物象，但却以这瞬间的物象显示了人物或事物的永恒。狄德罗说：“画家的笔只有一个顷刻：他不能同时画两个顷刻，也不能同时画两个动作。”①莱辛也说：“绘画要选择最富于孕育性的那一顷刻，使得前后都可以从一顷刻中得到最清楚的理解。”②因此，水彩画选择的瞬间形象，应当是事物发展与人的感觉的顶点，因为顶点就意味着止境。莱辛认为：在一种激情的整个过程里，最不能显出这种好处的莫过于它的顶点，到了顶点就到了止境，眼睛就不能再朝远处去看，想像也就会停止了。水彩画画出这人世间的瞬间物象，它又被圈定下来，显示出人世间事物的永恒。
其三是以静止显动态。水彩画是静止的艺术，但它却通过静止的画面表现动态性特征。例如大海的波涛在画面上是静止的，但它却显示出动态的汹涌之姿；蓝天上的白云也是静止的，它也显示出不断飘动的意象。
由此可见，水彩画正是通过以平面显立体、以瞬间显永恒、以静止显动态的辨证统一的艺术手法，来实现它的集中性的。
b．形象的多样性
水彩画的绘画形象，也是多种多样的。它既有人物形象，又有动物形象，还有景物形象、器物（静物）形象，具体可分为肖像画、风景画、风俗画、静物画、动物画、宗教画、历史画、壁画、年画、儿童画等各种形式。
而且更为重要的是，在这些形象之中，还饱含着画家深刻的思想与深厚的情感。也就是说，水彩画的形象，是主观与客观的有机统一，也是形与意的有机统一。例如一幅蓝天大海的风景水彩画，其形象是碧海、蓝天、白云、海鸥、帆船等等，而在这些形象的背后，又透出画家对自然景色的喜爱之情与渴望飞向更广阔的天地的向往之心和理想之趣。
由此可见，水彩画的形象，是多样的，这种多样性，既表现在物象本身的多样性，又表现在物象之外的多样性，即所谓“象外之象”、“画外之画”。用我国传统的绘画理论而言，就是“诗中有画，画外有诗”。
因此，水彩画的学习与创作，都要仔细品味、认真揣摩、全面把握由形象性所形成的这种“味外之旨”、“弦外之音”、“画外之蕴”。
c．风格的写实性
水彩画作为西方绘画的品种，属于写实主义范畴。从美学原则与艺术精神的视角考量，它是受西方传统美学原则与传统艺术精神所制约的。正如当代著名美学家彭吉象先生所概括的那样：“中国传统美学强调美与善的统一，注重艺术的伦理价值；西方传统美学则强调美与真的统一，更加重视艺术的认识价值。中国传统美学强调艺术的表现、抒情、言志；西方传统美学是强调艺术的再现、模仿、写实。我们从中西美学史上可以发现，‘模仿说’是古希腊美学的普遍原则，亚里士多德以模仿的基础建立起的《诗学》体系，在欧洲雄霸了两千年。而‘表现说’则成为中国先秦美学的核心，‘言志’、‘缘情’是我国诗论重视表现的最早见解，在情与理的统一中，将‘天人合一’的审美境界作为最高境界。”③
作为写实主义风格的水彩画，主要通过明暗处理与焦点透视来得以具体体现。通过光影与明暗的不同，通过近大远小成比例的焦点透视法，来加强其真实感。
d．色彩的独特性
水彩画的艺术特色，主要体现在它色彩的独特性上。正如马克思所说：“色彩的感觉是一般美感中最大众化的形式。”④水彩一的灵魂是水彩，它是用胶水和颜料等调制而成的，作画时用水溶解于纸上，利用画板的白地与水分互相渗透等条件，表现出透明感，具有轻快、湿润等特殊效果。既不同于油画的油质色彩，也不同于水粉画的用水调合的方法。一言以蔽之，水彩画色彩的独特性，就在于它具有“水彩味”。
注释：
①②转引陈兆金主编：《艺术鉴赏学导论》第321页，哈尔滨：北方文艺出版社207版。
美术论文格式模板范文 第27篇
随着现代化步伐的加快，传统的工艺美术不仅仅是以手工艺技巧制成并具有一定审美价值的艺术品，而是向着艺术与现代相结合，即艺术品实用化的方向发展。传统工艺美术类别丰富，有工艺绘画、艺术纺织、工艺篆刻等，其所表现出的造型美、气势美、严谨美不仅具有民族特色，对现代工艺美术的发展也产生了积极的影响。如今，传统工艺美术使现代生活越来越多元化，受此影响的平面设计、工业设计、室内装饰设计等都表现出独特的艺术审美价值和实用价值，而现代生活在其影响下，无论是审美取向还是物质实用性都有着较大的改变。从这一视角出发，有利于传统工艺美术走可持续发展的道路。
一、传统工艺美术概述
中国传统工艺美术的历史悠久，拥有大量优秀的工艺美术典范代表，如商周时期的青铜器、唐宋时期的瓷器、元代青花等，在中国传统的艺术发展史上有着重要的地位，而这些传统工艺美术的典范代表所表现出的特征和艺术特点在影响现代工艺美术的同时，也提升了现代人们的生活品味。
（一）传统工艺美术的特征
传统工艺美术在不同的历史时期有着不同的艺术特征，虽不尽相同、纷繁复杂，但总体观之，都展现出了和谐的民族审美、文化思想和艺术风格等。中国幅员辽阔、地理环境复杂，在这一背景下，传统的工艺美术作品体现出了明显的地域性特征。地域性特征下的工艺美术由于受所处环境、生活和生产方式的影响，其造物方式以及审美方式也有所不同。如湘绣主要以丝绒线绣花，构图严谨、色彩秀丽；苏绣针法灵活、构思巧妙、色彩清雅；蜀绣则针法灵巧多变、严谨精密。正是由于所处环境不同，刺绣工艺展现出了各自的独特性。独特的审美性是传统工艺美术的又一个特征。传统的工艺作品在创作时包含着人们对美好生活的希冀，以不同的主题表达美好的情怀。情怀的表达需要作品的完美呈现，传统工艺美术作品的独特之处又在于其利用独特的色彩搭配表现作品的生命力，如色彩艳丽的五彩瓷、绚丽夺目的景泰蓝、五彩斑斓的民间年画、光彩夺目的刺绣等，在体现了独特性特征的同时，也表现了中华民族传统的美学内涵。人本精神是传统工艺美术的另一个重要特征。人本精神观照下的传统工艺美术作品具有浓厚的人文气息和历史厚重感，无论是多变的器物造型，还是丰富变幻的色彩，抑或是灵活善变的纹路，都象征性地蕴含着传统的伦理观念和文化内涵。
（二）传统工艺美术的艺术内涵
在中国传统社会大环境的影响下，传统工艺美术作品始终摆脱不了对时代精神和情感意念的表达。受中国传统“天人合一”思想的影响，传统的工艺美术作品并不受现实的拘泥与羁绊，作品本身往往散发着高度的和谐统一。在传统工艺美术品制作、生产的过程中，借鉴和吸收了传统文学思想的主题表达形式，即双关、抽象、夸张、变形等手法对作品加以诠释。如大家所熟悉的传统工艺作品——商周时期的青铜器，其造型中的饕餮纹以夸张的五官表现怪兽的狞恶；为了突出主题和艺术特点，四大刺绣在针法、色彩、图案等方面多采用呼应、变形或抽象的表达方式；编织工艺在编织技法上利用经纬交叉、粗细对比的手法实现虚实相生的浮雕状，在色彩上，以色彩间的相互对比和衬托表现典雅、朴素的艺术特色。总之，中国传统工艺美术作品受社会多方面的影响，不再是简单的艺术作品，其中包含着独特民族文化内涵，具有审美和文化的双重性。
二、传统工艺美术作品在现代生活中的应用表现
传统需要与现代结合才能得以传承，现代作品也能借此展现出旺盛的生命力。随着社会的发展和生活水平的提高以及人们审美观念的变化，传统工艺美术逐渐受到人们的重视，被广泛应用到社会生活的各个方面，并对人们现代生活产生了一定的作用。
（一）传统工艺美术与室内装饰设计
室内装饰设计从传统工艺美术获得材料资源和设计灵感，使形式广泛、内容丰富的传统工艺美术得到充分利用的同时，也被赋予了深层次的文化内涵，改善了人们的生活质量。传统工艺美术与室内装饰设计不是简单地互相堆砌，而是将传统工艺美术的材料、技法、文化内涵与现代元素相结合，同时又不失传统工艺美术的美感。以南京金陵湖滨饭店的总统套房为例，其陈设独具匠心，采用主题和母体相互烘托的表现方式，其中的主题屏风图案采用了昭陵的六骏浮雕石刻，母体则是以十件造型各异的景德镇官窑青花瓷器加以表现，整个装饰既提高了品位，又蕴含着浓厚的人文气息。而在普通家居装饰设计中，传统工艺美术在符合室内装饰格局的同时，更注重绿色与环保方面的需求。现代设计师在室内装饰设计过程中加入了传统瓷器元素，一方面具有装饰作用，与主题相呼应；另一方面与绿色植物的搭配使其不失美感的同时又突出了绿色理念。除此之外，传统工艺美术作品中的纹路样式也是室内装饰设计常常使用的元素。传统工艺美术作品中的纹路形式多样，可适应不同主题的室内设计，如室内装饰中设计摆放有喜字纹样式的木质家具，不仅具有美好的象征意义也具有艺术美感。此外，以壁纸为表现载体的设计方式将纹路艺术化，赋予室内装饰不同的风格。从现代装饰设计的发展来看，现代人们对传统工艺美术中编织工艺有所偏爱，常在室内装饰中加入传统的编织工艺，如具有民族气息的四大名绣，增添了室内装饰的民族韵味；又如仁安悦榕庄对色泽鲜艳、纹路多变的藏毯的运用，增添了浓厚的民族风情，同时与现代元素的融合又毫无违和感，尽显朴素和大气。因此，种类丰富、风格多样的传统工艺美术应用在室内设计中，既使其彰显了美感，又对人们的生活质量和精神境界产生了一定的影响。
（二）传统工艺美术与现代平面设计
传统工艺美术在现代生活中的作用主要通过现代艺术形式加以体现，基于传统工艺美术的现代平面设计对人们的审美取向、价值定位都产生了影响。传统工艺美术中的剪纸、年画、皮影、刺绣、版画等与现代平面设计具有许多相似之处，设计者可以从中获得灵感来源，为平面设计发展提供良好的经验。传统工艺美术在现代平面设计中的应用十分广泛，如华夏银行的标志取材于红山文化中的玉龙造型，王府井饭店的标志纹路来自传统工艺美术中的吉祥纹。由此不难发现，现代平面设计中的传统元素多广泛应用在宣传上，现代平面设计风格多样、灵活多变，而传统工艺美术中的丰富元素则为其提供了广泛的素材和灵感来源。面向大众的平面设计形式多样，如来源于丝绸质感的设计使平面更富有光泽和质感，颇受女性群体的喜爱；节假日贺卡对传统纹饰形态的运用；现代包装设计对泥塑和陶瓷花纹的运用，体现出独特的民族风情和传统文化特色。总而言之，现代平面设计将传统工艺美术元素融入其中，丰富了人们的生活，满足了人们的审美需求。
（三）传统工艺美术与现代工业设计
现代工业设计受传统工艺美术的启发，将传统与现代相结合，既满足了大众的物质需要，也符合大众的精神文化需求。当下，工业设计在产品的定位上存在偏差，对工业设计的认识不足导致产品不能被大众所认同和接受，因此失去了民族性和文化内涵的工业设计无法在市场上立足，更不能为大众接受。传统工艺美术悠久的发展历史造就了其包罗万象的物质内涵和精神文化，对现代工业设计的影响体现在方方面面。首先，受传统工艺美术的影响，现代工业设计的物质形态和精神内涵统一了起来。例如，2008年北京奥运会的火炬设计，外部造型来源于中国四大发明之一的造纸工艺，其中的祥云图案则赋予了美好的寓意，下端的漆红色则来自汉代，立体式浮雕设计使火炬显得高雅、厚重。这些传统工艺美术元素的加入，使工业设计具有明显的.民族特色和精神内涵。其次，传统工艺美术所包含的传统内涵是现代工业设计精益求精的动力，同时对现代生活具有精神层面的指导作用。无论是商周时期纹饰精美的青铜器、汉代鎏金漆器，还是明朝的家具都在制作水平上有着严格的要求，其所包含的“天人合一”的造物理念使现代工业设计更加注重实用性与审美性。
三、传统工艺美术对现代社会生活的意义
传统工艺美术是一门将材料、审美、工艺、技法、文化充分融合的艺术，它不仅满足了人们对物质使用的需求，还满足了人们对艺术的欣赏和追求。传统工艺美术在现代社会生活中的广泛应用，有利于其传承与发展。传统工艺美术作品是中国宝贵的文化遗产，现代社会生活对传统工艺美术的重视有利于引起人们的重视，促进非物质文化遗产的保护。现代社会生活因传统工艺美术而具有丰富的内涵，传统工艺美术不仅仅是简单的艺术作品，更多的是承载了民族的艺术元素和精神实质，从相关艺术实践活动到大众审美都自觉或不自觉地受到了熏陶，因此，社会的艺术设计之路得到长远发展，人们生活水平得到了提高。
结语
综上所述，传统工艺美术具有独特的艺术特征和十分丰富的艺术内涵，历经时代的大潮，仍然对今天社会生活的各个方面具有借鉴意义。现代生活对传统工艺美术的重视并不是单纯的对商业利益的追求，而是将传统具有借鉴价值的元素与现代生活相结合，从而在使传统工艺美术得到传承的同时，丰富了社会文化底蕴。
美术论文格式模板范文 第28篇
二、毕业创作并不是完成一项日常的作业，而是需要实践、思考，有创意、有激情的一项工作。
三、毕业创作的素材也应当尽量丰富。
四、毕业创作的选题也要做到尊重学生。
根据学生的自身的专业所长和爱好进行选题，指导教师应多和学生进行交流，最终选定一个适合学生的创作命题。根据美术类专业的特殊性，其毕业创作是伴随着毕业论文一起呈现的。为了深入对创作的研究，应尽可能的选定与毕业创作相关的论文方向。随着创作和论文的一步步完善，指导教师也要对其提出针对性的指导与修改意见。这个意见更多的是启发性的，因为创作的主体还是学生本人，指导教师要巧妙地发挥主导作用引导学生最大限度的展现自身的艺术特点。
美术论文格式模板范文 第29篇
一些儿童在学习中出现了抵触心理，觉得美术学习枯燥无味，主要原因是教师在教学中过多强调理论知识的传授和技法的训练。一些教师总想着向儿童传授专业技巧，提高其美术功底，因此在教学中多采用以教师为中心的灌输式教育方法，儿童多处于被动接受、模仿的状态。如果儿童长久处在这种教学模式下，其想象力、灵感、天赋将被压抑，对艺术的直觉也将受到制约。很多学者的实验发现，儿童在不同的状态下，对同样事物所画出来的图画是截然不同的。教育对儿童的心理影响较大，教育的目的是促进儿童健康成长，因此改革儿童美术教育势在必行。还儿童一个多姿多彩的童年，摒弃灌输教育势在必行。
二、依靠直觉进行造型训练的原则与方法
1.依靠直觉进行造型训练应遵循如下教学原则
直觉是人类思维的本能，是人类思考的结果，是人最真实的思维，更是人类灵感的源泉，依靠直觉对儿童进行造型训练，能够有效提高儿童美术教育的有效性，锻炼儿童思维，开发儿童智力。美术教学应形成以儿童为主体的教育模式，教师仅进行适当的引导，而不是成为课堂的中心，应为儿童创造自由表达、自由探索、自由创作的空间和条件。另外，在教学内容选择上，教师应根据儿童的心理特征及认知特点进行选择，避免将知识理论强加给儿童，让儿童依靠直觉进行发挥，进而培养儿童的美学意识，激发其创作兴趣和创造力。
2.依靠直觉进行造型训练的教学方法
（1）以视觉训练为中心，培养儿童的观察力、记忆力、想象力和创造力儿童对事物的描绘规律为由简单到复杂、由意象到再现。儿童对事物的写实能力会随着他们对事物认知的提升而慢慢提高。他们对物象的自然属性、比例、结构、体积和色彩的认识与表现，随着感知的变化不断发生变化。实践证明，儿童美术教学中，儿童造型能力的形成不是靠传授技法，而是靠直觉的发挥。因此，教师应形成以视觉训练为中心的教学方式，强化儿童对事物的观察力、记忆力、想象力，强化儿童的直觉，从而刺激儿童的灵感。
